'Revisionist History II' du Brooklyn Ballet

par

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L'Actors Fund Theatre, Brooklyn, NY.
13 février 2020.

Dans cet âge post-postmoderne, le moderne et le classique sont célébrés et critiqués. Tous les styles et qualités sont un jeu équitable à explorer. Les conventions et les valeurs que révèlent les œuvres classiques et modernes – qu'elles soient présentées ensemble ou séparément – parlent de questions telles que la représentation, le privilège et le pouvoir. Nous pouvons voir comment notre culture a évolué et évolué, et comment elle ne l’a pas fait. Brooklyn Ballet’s Histoire révisionniste II a parlé hardiment de ces manières, à travers le concept et d'autres choix créatifs.

Une refonte de l'emblématique Pas de Quatre comprenait quatre femmes de couleur (Paunika Jones, Miku Kawaruma, Christine Emi Sawyer et Courtney Cochran), une déclaration puissante sur la représentation et la race dans le monde du ballet et au-delà. Ensuite, un quatuor avec quatre hommes de couleur dansant différents styles de hip hop – à peu près aussi différent du ballet romantique original que l'on pouvait obtenir tout en restant dans la même structure. La nuit s'est terminée avec Intersection, une œuvre qui parle de la condition urbaine moderne du mouvement constant et du manque de véritable communauté – ballet contemporain avec une base classique solide.

Pas de Quatre a commencé dans ce tableau archétypal – niveaux, regards et port de bras merveilleusement conçus pour l'harmonie esthétique ainsi qu'un équilibre de connexion et de solitude pour chaque danseur. L'attention déterminée des danseurs était immédiatement claire. Leurs costumes étaient dans le même thème (en couleur, style de conception, matériel), mais chaque danseur portait quelque chose de légèrement différent – donnant à chacun un signe concret d'individualité.

Ils se sont déplacés à travers des sections solo, duo et groupe, offrant tous leur propre qualité de mouvement et esthétique. Un danseur était particulièrement doux et clair. L'un est venu avec un sentiment d'attaque concentrée et accentuée. Un autre avait un sentiment quelque peu ancré d'ancrage. Une autre encore avait une présence nettement joviale et timide et une vivacité dans son mouvement.

Il y a eu plusieurs défaillances à tour de rôle, et je me suis demandé si la chorégraphie aurait pu être modifiée pour éviter cela. Cela a nui à la belle chorégraphie classique et à la présence sans faille des quatre danseurs. D'un autre côté, c'était peut-être dû aux conditions du site – comme un sol glissant ou un éclairage rendant les taches difficiles.

Dans l'ensemble, cependant, les danseurs ont offert une individualité audacieuse et féroce ainsi qu'une grâce harmonieuse. Ils étaient parfaitement à l'écoute de leur groupe et de leurs partenaires. Je pouvais entendre leurs pointes à travers la scène. L'enseignement technique strict dit que vous ne voulez pas entendre cela, mais cet effet a offert une autre couche auditive que j'ai appréciée. Toutes les formations étaient structurellement claires et visuellement agréables.

Le travail s'est terminé dans un tableau, comme il a commencé – les quatre femmes comme leur propre esprit, mais en communauté joyeuse et harmonieuse les unes avec les autres. J'ai réfléchi sur la puissance de l'imagerie ici, quatre femmes de couleur dansant dans une œuvre emblématique, cette nature iconique spécifiquement blanche. Je me demandais quel enfant de couleur – ou personne de couleur de tout âge, d'ailleurs – qui venait au spectacle pourrait pour la première fois se voir dans le ballet et être inspiré pour mettre lui-même des ballerines.

Quatuor suivi par la chorégraphie des danseurs et le concept de Lynn Parkerson (directrice artistique du Brooklyn Ballet). Quatre hommes de couleur (Michael "Big Mike" Fields, James "J-Floats" Fable, Bobby "Anime" Major, Ladell "Mr. Ocean" Thomas) ont dansé dans une structure similaire à Pas De Quatre – chacun dans sa propre signature sous le plus grand parapluie du mouvement hip-hop. On se déplaçait dans un style «fléchissant», en pliant et en plaçant les joints de manière qui ne semblait pas humainement possible. Un «sauté et verrouillé», accentuant avec force puis relâchant. Un autre muscle tendu dans sa poitrine, ses fesses et ses bras de façon comique et légère, faisant rire le public. Un autre encore avait un style plus lisse et plus lyrique, ondulant doucement et coulant à travers ses articulations avec les battements.

De façon intéressante, Pas De Quatre traduit du français comme Quatuor. Ils ont commencé et se sont terminés dans un tableau de niveaux et de formes variés, tout comme la pièce précédente. À titre de variante des sections Pas de Quatre quand les danseurs bourdonnaient en cercle, tournés vers l'extérieur, les hommes faisaient de même mais sur des pieds plats et en alternance avec les bras pliés aux coudes (ce qui était visuellement et énergétiquement agréable). La musique a commencé et s'est terminée sur la même partition que Pas de Quunerte, pourtant entre «R&B» et airs hip-hop accompagnaient les danseurs.

Il y avait aussi plus de moments humoristiques et théâtraux dans cette œuvre que dans la pièce précédente, soulignant la place accrue de la théâtralité ouverte dans la danse moderne, post-moderne et post-post-moderne. Pourtant, comme la pièce précédente, il a fortement remis en question les conceptions classiques et sociales de l'art de la danse en offrant une alternative agréable et bien faite – en dehors même d'être dans une structure très similaire.

Intersection suivi, un travail réfléchi et bien conçu sur la condition urbaine moderne de mouvement constant et le manque de véritable connexion humaine. Parkerson a chorégraphié cette œuvre. Les danseurs sont entrés et sortis, se déplaçant dans des sections jumelées. Des messages audio du MTA (système de transport en commun de New York) ont traversé le théâtre. Les danseurs portaient des vêtements de tous les jours stylisés, chacun dans une tenue légèrement différente (mais avec des pièces et des motifs similaires). Tous ces choix et qualités se sont unis pour former l'illustration de personnes occupées et se déplaçant rapidement dans un espace urbain.

Les femmes portaient des pointes et dansaient dans un style plus classique, tandis que les hommes dansaient plus dans un style hip-hop. Parkerson a fait appel aux aspects linéaires dans les deux styles de mouvement pour créer un partenariat convaincant – comme un motif d'hommes avec leurs bras tendus comme support et leurs partenaires arabesques derrière eux. À d'autres moments, ils déplaçaient leur torse à travers des carrés que les hommes faisaient également avec leurs bras. Un autre motif mémorable était que les partenaires se faisaient face et que les femmes roulaient jusqu'à la pointe complète, puis redescendaient à plat – simples mais propres, intrigantes et mémorables.

Les danseurs ont continué à se déplacer à travers différentes formations et regroupements, ces messages d'interphone MTA jouant par intermittence. Quand ce n'était pas le cas, le violoncelle (de Malcolm Parson) et la batterie (de Killian Jack Venman) accompagnaient les danseurs. Les sons résonnants de ces instruments ont donné une impression de quelque chose de plus profond sous la présentation extérieure des navetteurs en mode bruyant et la myriade de stimuli sensoriels présents pour les citadins lors de leurs déplacements.

Les danseurs sont sortis individuellement et en groupe, et les lumières se sont éteintes. Le travail était terminé, mais il avait laissé une nouvelle vibration dans la pièce. Les éléments classiques et modernes dans le sens et l'esthétique avaient ensemble vraiment laissé une impression. Nous pouvons honorer le passé pendant que nous travaillons pour corriger ses torts nuisibles, du mieux que nous pouvons. L'art peut être un point de départ.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.



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