ven. Août 12th, 2022

    Les organisations artistiques d’Atlanta commencent à voir la lumière au bout du tunnel pandémique, mais la Ballethnic Dance Company émerge d’un tunnel beaucoup plus long, qui remonte à la fondation de l’ensemble en janvier 1990.

    Plusieurs événements ont aidé. Nouveaux financements, reconnaissance nationale et nouvelles opportunités d’interprétation.

    En 2019, une subvention transformatrice de la Chestnut Family Foundation a permis à Ballethnic de maintenir un noyau de neuf danseurs salariés tout au long de la pandémie. En juillet 2020, c’était l’une des nombreuses organisations d’arts noirs à protester contre l’octroi de subventions en cas de pandémie du Grand Atlanta par la Community Foundation – aucune entreprise noire n’a reçu de financement au départ. Leur protestation a eu des résultats. La Fondation a modifié ses critères et, en août 2020, a annoncé 1,15 million de dollars de subventions, dont plus de 90 % sont allés à des organisations dirigées par des personnes de couleur. Ballethnic était l’un d’entre eux. Sa dernière subvention est arrivée en juillet 2022 – 300 000 $ de South Arts ainsi que la reconnaissance en tant que trésor culturel du Sud.

    Ballethnic dans « The Leopard Tale »

    Le mouvement Black Lives Matter a attiré l’attention depuis longtemps sur les organisations d’arts noirs à Atlanta et en juin 2022, Ballethnic a fait ses débuts à l’Alliance Theatre avec un rafraîchissement La Conte de léopard, leur travail de signature.

    Plus tard ce mois-là, la compagnie était l’une des trois compagnies de danse noire à participer à Recadrer le récit, un événement révolutionnaire d’une semaine au Kennedy Center à Washington, DC

    Dans une vaste conversation avec ArtsATLNena Gilreath, co-fondatrice et co-directrice artistique de Ballethnic avec son mari Waverly T. Lucas II, a parlé de ce moment charnière dans l’histoire de la compagnie.

    ArtsATL : Vous avez eu beaucoup de bonnes nouvelles ces derniers temps, de nouveaux financements et de nouvelles opportunités de performances. Qu’est-ce que cela signifie pour l’entreprise ?

    Nena Gilreath : C’est une relance, une réinitialisation et une récompense pour rester diligent sur la route. Nous avons été sous-financés pendant tant d’années et avons connu tant de revers, mais nous sommes restés fidèles à la mission d’avoir un impact.

    ArtsATL : L’événement au Kennedy Center était le premier du genre, mettant en vedette des danseurs noirs membres de compagnies de ballet à prédominance blanche ainsi que des compagnies comme Ballethnic qui sont des descendants directs du Dance Theatre de Harlem. Arthur Mitchell était le visionnaire qui a fondé le Dance Theatre of Harlem en 1969, après avoir déjà ouvert la voie en tant que premier danseur principal noir du New York City Ballet. Comment était cet événement unique pour vous et vos danseurs ?

    Gilreath : J’ai d’abord dansé sur la scène du Kennedy Center en L’oiseau de feu quand j’étais au Dance Theatre de Harlem. Je faisais partie des petits monstres. C’était remarquable de ramener notre propre entreprise là-bas et d’être sur la scène avec d’autres fondateurs d’entreprise qui viennent du règne de M. Mitchell. C’était vraiment spécial de partager de l’espace et du temps avec d’autres personnes qui ont cette lignée unique.

    ArtsATL: Vous y avez exécuté deux ballets, un extrait de Le conte du léopard et une reprise du travail de Waverly Sainteté. Comment ont-ils été reçus ?

    Gilreath: Voir notre vision se réaliser était magnifique. Quand le rideau s’est levé pour Sainteté vous pouviez entendre le public faire un grand « aah ». La scène vous a transporté dans un autre endroit, un grand village africain. Un incroyable [technical] L’entreprise de DC a créé des projections d’un oiseau Sankofa, qui symbolise l’hommage rendu à nos ancêtres et le voyage que nous avons effectué tout en faisant avancer l’entreprise.

    ArtsATL : Qui d’autre était impliqué ?

    Dance Theatre of Harlem et Collage Dance Collective se sont produits. Le chorégraphe Donald Byrd a créé une œuvre pour un groupe de danseurs noirs qui font partie de compagnies de ballet à prédominance blanche. C’était une plate-forme magnifique pour eux. Denise Saunders, présidente et chef de la direction de l’Association internationale des Noirs en danse était là, tout comme Theresa Ruth Howard qui a fondé la plateforme numérique Memoirs of Blacks in Ballet. Nous avons dansé avec Theresa au Dance Theatre de Harlem et nous les connaissons très bien toutes les deux. Le simple fait de voir des dirigeantes noires était important pour moi.

    Dans le hall du Kennedy Center (de gauche à droite) : Lydia Abarca Mitchell (Dance Theatre of Harlem’s first ballerina), Gilreath, Ballethnic dancer Ahmad Hill, Lucas

    ArtsATL : Très peu de compagnies de ballet sont dirigées par des femmes, point final. Qu’est-ce que ça fait d’être une femme noire à la tête d’une entreprise établie ?

    Gilreath : Je n’y ai jamais pensé jusqu’à récemment, quand beaucoup d’attention a été portée sur les femmes qui dirigent des compagnies de ballet. Je fais cela depuis 32 ans; Je n’ai jamais pensé que c’était unique. Mais je connais les difficultés que j’ai rencontrées. C’était formidable de voir des femmes dirigeantes proposer de grandes idées lors de l’événement du Kennedy Center. Voir ce niveau d’excellence, voir des gens de couleur s’emparer d’un espace qui n’est pas connu pour ça. C’était remarquable.

    ArtsATL : Quels défis existent encore ?

    Gilreath: Le plus difficile est de trouver une maison régulière, un théâtre où nous pouvons jouer. Il n’y a pas d’étapes [in Atlanta] pour que les personnes brunes et noires appellent chez elles. Cela a été une lutte depuis que nous avons quitté le Ferst Center en 2015. Lorsque Madison Cario est arrivée en tant que nouvelle directrice du Ferst, elle a déplacé les dates et nous ne sommes jamais revenus sur le calendrier. Nous avons aidé à construire le Centre Ferst, je n’ai pas peur de le dire. Nous avons été la première compagnie de danse à y jouer. Nous les avons aidés à développer l’espace pour la danse.

    Gilreath et Lucas dans l’adaptation Ballethnic 2014 de « Flyin’ West » de Cleage

    ArtsATL : Vous avez décrit cette période comme une relance pour Ballethnic. Qu’espérez-vous accomplir à l’avenir?

    Gilreath : Nous espérons remonter Flyin’ West – Le ballet basé sur la pièce de 1992 de Pearl Cleage. Elle et Zaron Burnett [Cleage’s husband] nous en a donné les droits en 2014. C’est une histoire unique sur la migration des Noirs du Sud vers l’Ouest. Waverly a vu la pièce à l’Alliance et a rêvé de la faire pendant des années. Nous l’avons fait, mais nous manquions de ressources.

    C’est un ballet épique sur toute la longueur avec tous les types de musique, classique, techno, percussions africaines, toute la gamme et tous les âges, des plus jeunes aux plus âgés. Nous voulons le voir pleinement réalisé.

    Nous voulons également faire une version cinématographique de Casse-Noisette Urbain.

    ArtsATL : Vous avez toujours trouvé un moyen de présenter Le Casse-Noisette Urbain, plus récemment au Legacy Theatre à Alpharetta. Cela a-t-il été une réussite pour vous ?

    Gilreath : C’est une salle plus petite mais le théâtre a un mur LED qui nous a aidés à travailler davantage avec les médias numériques. Une nouvelle population de Noirs est venue nous voir là-bas. Les gens venaient aussi de Caroline du Nord, de Caroline du Sud et du Tennessee, ce qui était intéressant. Je ne sais pas pourquoi, d’autant plus que c’était pendant le Covid. Cette année, nous espérons apporter Casse-Noisette Urbain à la chapelle du roi à Morehouse. La première fois que nous avons interprété la version intégrale de casse Noisette était à la Chapelle en 1991. Nous l’avons refait là-bas en 2017 et c’était très réussi.

    ArtsATL : Qu’est-ce que l’avenir vous réserve à vous et à Ballethnic, compte tenu de ces distinctions, opportunités et subventions ?

    Gilreath : Souvent, les gens reçoivent des distinctions lorsqu’ils ne peuvent pas continuer à faire une différence. Je suis ravi que Waverly et moi soyons dans un endroit où nous pouvons continuer le travail ensemble. Nous sommes toujours dynamiques, excités et énergiques, mais l’héritage est important. [We are working on] ce que nous voulons que l’entreprise soit lorsque la prochaine génération en héritera.

    [The South Arts grant] est pour notre infrastructure administrative qui nous donnera la liberté de faire l’art. C’est ce à quoi nous sommes bons. Nous voulons être libérés des opérations. J’ai appris à faire la partie infrastructure, à rédiger des subventions et des propositions et à avoir une voix dans les arts. Maintenant, je veux aider les artistes à découvrir cela par eux-mêmes. C’est ce qui me motive.

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    Gillian Anne Renault est Rédactrice en chef pour Art + Design et Danse et contributrice d’ArtsATL depuis 2012. Elle a couvert la danse pour la Los Angeles Daily News, examinateur du Herald et Actualités des ballets, et sur des stations de radio telles que KCRW, la filiale de NPR à Santa Monica, en Californie. Il y a de nombreuses années, elle a participé au programme Dance Criticism de l’American Dance Festival dans le cadre d’une bourse NEA.

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