Danza y arte

Festival de danse Motion State 2022

Waterfire Arts Center, Providence, RI.
9-12 mars 2022.

Je me suis (très heureusement) engagé à revoir le Motion State Dance Festival 2022, et c’était l’un de ces moments où je ne savais pas trop à quoi m’attendre. C’était la première fois que j’examinais le travail de l’organisation et ma première fois au Waterfire Arts Center. Je suis entré et j’ai été ravi de l’étendue de l’espace, avec de hauts plafonds et un espace au sol large et long. Tout cela pâlissait par rapport à l’installation qui volait au-dessus de ma tête : un grand globe complet avec des océans, des masses terrestres et des nuages ​​authentiquement illustrés tourbillonnant au-dessus d’eux.

Quelque chose en moi savait que les travaux en cours m’amèneraient à réfléchir profondément, mais aussi à me sentir inspiré : à engager mon esprit et mes actions dans des forces bien au-delà de moi-même. J’avais raison. Les deux œuvres que j’ai vécues, Flux d’air (conçu par Lila Hurwitz et Andy Russ) et Edisa Weeks’s 3 Rites : Liberté ont utilisé des choix audacieux et attrayants pour faire réfléchir les membres du public – et au-delà, pour reconnaître les possibilités en eux-mêmes d’agir sur cette réflexion.

Si ce processus n’avait peut-être pas eu lieu pour un membre du public donné, les structures esthétiques et les qualités à portée de main étaient plus que suffisantes pour que leur présence en vaille la peine. Le pouvoir de la force esthétique ne doit pas être sous-estimé, même à – et, sans doute, surtout à – des époques qui peuvent sembler aussi déracinées et ténues que celles-ci.

La première œuvre du festival que j’ai accueillie était Flux d’air, aussi peu conventionnel que curieux. En entrant, le coproducteur de Motion State Arts, Ali Kenner Brodsky, s’est dit, ainsi qu’à un autre membre du public, que « les règles sont qu’il n’y a pas de règles » (nous avons tous les deux souri). Andy Russ, qui a ouvert l’œuvre avec une introduction et a également fourni la partition sonore de l’œuvre (et a également été un autre coproducteur de Motion State Arts), a fait écho à ce sentiment.

Des chaises étaient réparties dans tout l’espace, sous ce grand globe magnifique, faisant face dans toutes les directions. Nous, les spectateurs, n’étions pas seulement autorisés à changer ou à déplacer des chaises dans l’espace, nous étions encouragé pour ce faire, a ajouté Russ. Ce n’était pas l’atmosphère habituelle d’un spectacle de danse de théâtre à l’avant-scène. Comme une certaine éducation du public (quelque chose que je préconise souvent), Russ a également expliqué que les danseurs travaillaient sur une partition d’improvisation pendant certaines parties du travail et à d’autres, c’était « tout est permis » : 100 % d’improvisation. J’étais intrigué !

Avec Russ disant « commencer », les danseurs ont commencé à entrer dans l’espace et le travail a commencé. L’ensemble des six marchait en diagonale, en ligne droite, tous vêtus de combinaisons orange. Un sifflet de train à l’ancienne a retenti et ils se sont tous arrêtés. Après un battement, ils ont commencé à sortir des lignes et à leur manière : angulaires et géométriques, exécutant l’action et l’immobilité.

Le vocabulaire de mouvement commun, tel qu’un bras en spirale initiant un virage qui est devenu comme un crayon tournant, a révélé un mouvement défini dans une partition d’improvisation – ou, de manière impressionnante, la capacité des danseurs à reproduire le mouvement de l’autre dans une structure d’improvisation, d’une manière qui s’adapter aux inclinations et aux forces de leur corps.

Certains danseurs ont plutôt couru en motifs circulaires ou linéaires : créant un contraste dynamique et une diversité d’esthétique et d’énergie au sein de l’ensemble. Le seul score était le bruit de leurs pieds (certains en baskets, certains chaussés, certains nus) se déplaçant sur le sol. Pour l’instant, ils ne se sont pas non plus connectés – physiquement ou énergiquement.

En tant que beau mouvement en soi, je me délectais de ce qui se passait dans la vaste zone. Sous le globe, et se déplaçant à leur manière après le déclenchement d’un sifflet de train (un son signifiant classiquement le début ou la fin de la journée de travail), j’ai aussi pensé à la structure de toutes nos vies, si souvent organisées par notre travail quotidien : se lever par nos réveils, travailler une grande partie de nos journées, avoir un peu de temps pour nous quand le travail de la journée est terminé, et recommencer le lendemain. Et ainsi de suite.

Ce schéma du sifflet du train rassemblant les danseurs, puis les déplaçant à leur manière, répété plusieurs fois – fortifiant ce sens cyclique et quotidien. Les éléments audio ont rapidement ajouté une autre couche; des extraits de bulletins d’information, des rassemblements de prière diffusés et des parasites entre ces morceaux audio remplissaient l’espace. En effet, il y a beaucoup de bruit qui peut remplir nos 21st vies de siècle. Le mouvement a évolué à partir de là, les bras imitant les ailes et – contrastant la déconnexion antérieure – les partenaires trouvant des relations spatiales, s’explorant curieusement.

Un rythme entraînant entrant, en tant que partition, a amélioré ces explorations et ajouté un sentiment de tension intrigante. Le discours poétique de Russ a remplacé ce rythme entraînant. Il a parlé avec lyrisme d’un homme travaillant à son rêve de construire une machine volante. J’ai repensé à ces gestes et ces formes de vol. Dans le contexte du sens du monde du «travail quotidien» en jeu ici, j’ai également réfléchi à la réalisation de rêves et aux réalités du monde structuré par le travail qui entravent cette réalisation – et finalement à la manière de toucher quoi que ce soit. notre rêve peut être.

L’abstraction dans le mouvement et les lignes poétiques du discours semblaient également encourager les spectateurs à trouver du réconfort dans l’incertitude. La multitude de possibilités dans le langage et le mouvement peut apporter plus de questions que de réponses – pas toujours facile pour nous en tant que citoyens de ce monde axé sur les résultats.

Ces possibilités sont les nôtres à chérir si nous pouvons apprendre à apprécier le processus tout autant que le produit : « un peu comme une aiguille suivant une tapisserie », a déclaré Russ, permettant au produit de devenir son potentiel en permettant au processus de création de se dérouler. Le dernier mot de Russ était « et », créant un sens clair de continuité et de multiplicité.

Tout continue : un cycle perpétuel de jours et de nuits, de travail et de repos, de connexion et de déconnexion. Fonctionne comme Flux d’air peut ajouter un peu plus de réflexion et de possibilité créative dans ce cycle qui est le nôtre. Si nous pensons que nous ne pouvons pas atteindre cette vision de ce que nos vies pourraient être, de telles œuvres peuvent nous inciter à nous demander « bien, pourquoi pas ? ».

Semaines d’Edisa 3 Rites : Liberté est venu deux nuits plus tard. Il incarnait encore plus avec force l’audace et la réflexion – au point de créer potentiellement un inconfort productif chez les membres du public. L’œuvre est un travail en cours et sera finalement l’un des trois actes d’une œuvre plus vaste de Weeks, qui sera présentée à Brooklyn, NY, à l’automne 2023. Violet Asmara Tafari a assuré la direction de la production et la gestion de la scène, Production créative de Marýa Wethers et conseil créatif de James Scruggs.

Tout a commencé avec l’entrée des spectateurs par des morceaux d’installation de vrilles blanches suspendues au plafond : rugueux, longs mais de forme imprévisible (décoration par You-Shin Chen). Connaissant un peu le thème de l’œuvre de la race et des symboles qui l’entourent (du programme), je me suis demandé s’il s’agissait d’une illustration de dreadlocks. Il y avait des curiosités esthétiques et énergétiques comme celles-ci à apprécier dès le départ absolu.

En entrant et en trouvant nos sièges, nous, les membres du public, avons vu Weeks : assise avec des vêtements aux couleurs de la pastèque et rien que des ballons couvrant le haut de son corps (accessoire/costume conçu par Weeks). Elle tremblait, vigoureusement mais avec un sens dirigé vers l’intérieur, apportant un sentiment de malaise profond mais contraint. La vulnérabilité dans l’exposition et l’inquiétude brute ici m’ont frappé comme une tonne de briques – et ce n’était que le début.

Ensuite, j’ai reconnu comment ses tresses, debout verticalement, étaient attachées à des poulies qui avaient des objets tirant vers le bas à leur autre extrémité. Comme l’expliquait le programme, ces objets représentaient des objets qui caractérisent les récits autour de la culture afro-américaine et des Noirs plus largement : une Bible, une arme à feu, des baskets chères, une pastèque. Le confinement que vivait son corps était pleinement palpable.

Weeks a commencé à bouger plus vigoureusement et a également ajouté des vocalisations profondément résonnantes pour correspondre à son mouvement turbulent : alternant rires et cris gutturaux. Dans un discours tendu, elle a demandé à un membre du public de prendre son eau d’un pichet et d’un verre sur une petite table sur le côté de l’espace : commencer l’engagement du public qui serait une grande partie du travail global. Oui, j’étais mal à l’aise dans mon corps et mon esprit – et mon cerveau me disait que c’était le but (ou du moins une grande partie de celui-ci). Les fils ne s’étaient pas complètement réunis pour moi, cependant.

Tout a fait commence vraiment à cliquer pour moi de cette façon lorsque la voix off décrit comment la pathologisation des comportements des Noirs est inextricablement liée à l’histoire de la psychiatrie et de la santé mentale : une description complète avec un exemple réel nauséabond de ce qui se passe dans la vie d’un jeune homme ( et en changeant à jamais son cours, et pas pour le mieux). Elle a rapidement également appliqué le maquillage Blackface et clown, approfondissant le sens de la représentation inauthentique et de l’incompréhension motivée. Nathaniel Braddock a fourni la partition sonore et Tin Cryan a servi de concepteur d’éclairage.

Le mouvement et les vocalisations étranges de Weeks, les symboles des récits sur la culture afro-américaine, l’atmosphère déconcertante qui en découle : tout cela avait un sens complet. Mais je n’étais plus à l’aise. Mon confort n’était pas le point. Je devais être assez provoqué pour penser et faire face à de dures vérités, je crois.

L’espoir a rapidement commencé à s’infiltrer sous la lourdeur ici, cependant – en commençant par Weeks qui a finalement délié son cerveau des poulies attachées à ces symboles pondérés qui la tiraient vers le bas. Elle pouvait alors se lever de sa chaise et se déplacer librement. C’était sûrement une amélioration, mais son travail n’était pas terminé. Elle avait encore des choses à partager, des vérités à souligner.

Les semaines ont ensuite impliqué à nouveau les membres du public, leur posant des questions sur l’histoire de la race aux États-Unis et les engageant dans des procédures aléatoires (celles qui ont conduit à des histoires vives et bouleversantes). Elle semblait prendre une personnalité différente – plus confiante, plus capable de communiquer clairement – mais toujours avec un traumatisme impactant son expérience intra- et interpersonnelle. Même lorsqu’elle a décrit des histoires profondément attristantes, elle a partagé et connecté : couper une petite pastèque et passer une assiette de tranches pour que les membres du public puissent en profiter, par exemple.

Puis l’espoir et la joie ont véritablement surgi, à commencer par un partage inspirant : chaque matin au réveil, elle s’engage à démanteler le racisme, elle a partagé. « Mais je ne peux pas le faire seule », a-t-elle affirmé. Elle nous a ensuite conduits dans un chant dans lequel nous avons proclamé que « je vais, nous allons, défaire le racisme ». C’était ensuite à notre tour de partager d’autres choses que nous voulions défaire, a-t-elle noté : les membres du public ont suggéré le sexisme, l’inégalité des revenus et la dégradation de l’environnement.

Nous avons fait de notre mieux pour mettre ces mots dans le rythme du chant, et une certaine maladresse dans le rythme nous a fait rire. Le rire nous relie et fait tomber les murs de la peur. Quelque chose était arrivé; nous n’étions pas tout à fait le même groupe que lorsque nous sommes entrés dans l’espace il y a une heure. Nous avions trouvé des fils de connexion dont nous ne savions pas qu’ils étaient là. C’est l’une des nombreuses choses puissantes que l’art vivant peut catalyser. Cette catalyse demande souvent de l’audace dans l’approche et le courage de guider les membres de l’auditoire vers un lieu d’incertitude, voire d’inconfort total – et 3 Rites : Liberté apporté tout cela à la pelle.

Quelle que soit la façon dont les spectateurs ont procédé à partir de leur départ, l’expérience leur appartenait, mais ils avaient gagné quelque chose : une nouvelle façon ou de nouvelles façons de penser, de voir, de comprendre. Peut-être ont-ils même trouvé l’inspiration pour créer quelque chose qui leur est propre ou pour changer quelque chose qui doit être changé. Je ne savais pas que je trouverais cela au Motion State Dance Festival 2022 de Motion State Arts, mais je suis tellement content de l’avoir fait. Merci et brava à tous les artistes et collaborateurs impliqués pour avoir rendu tout cela possible. Vous ne pouvez jamais vraiment connaître les effets d’entraînement significatifs que vous pourriez déclencher.

Par Kathryn Boland de Informations sur la danse.






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