Danza y arte

‘Choréographe’ du Boston Ballet – Dance Informa Magazine

CitiBank Opera House, Boston, MA.
6 mars 2022.

« Les actions parlent plus fort que les mots », dit le vieil adage. Ces dernières années, le monde s’est attaqué avec ferveur à des problèmes importants, de la parité entre les sexes à l’équité raciale en passant par le changement climatique – sans doute plus que pendant des décennies auparavant. Dans cette atmosphère, beaucoup ont appelé à l’action plutôt qu’aux mots : à des mesures concrètes qui traitent des problèmes systémiques plutôt que de dire ce qui semble être la bonne chose.

Le monde de la danse n’échappe nullement à cette dynamique. D’une part, de nombreuses personnes dans le domaine ont discuté du fait que même si certains considèrent la danse comme un espace féminisé, les hommes sont beaucoup plus répandus dans des rôles de leadership tels que chorégraphe et directeur artistique. Le Boston Ballet a mis l’action derrière la conviction avec Chorégraphe, un programme qui présentait le travail de cinq femmes chorégraphes : cinq danseuses chacune avec une perspective, une esthétique et une expérience uniques qui informent leur travail. Pour démarrer, les cinq œuvres étaient des premières mondiales.

L’initiative a débuté en 2018, avec la ferme intention de nourrir les femmes chorégraphes avec un espace créatif et d’autres ressources essentielles. Le travail généré à partir du programme a d’abord été présenté à un public plus intime en studio. Toujours avec la même mission claire et concertée, les fruits artistiques du programme s’inscrivent désormais dans une saison du Boston Ballet Opera House.

Outre les trois pièces décrites ci-dessous, le programme comprenait la danseuse principale de Boston Lia Cirio Chapitre en fragments et de Melissa Toogood Les papillons n’écrivent pas de livres. La pièce de Cirio était imprégnée d’un mystère séduisant et d’une structure tout aussi séduisante : une série de petites histoires de mouvement tissées de manière cohérente, comme les chapitres d’un véritable tourne-page. Le travail de Toogood était tout aussi intrigant et mystérieux. Plein de choix audacieux à la fois dans le mouvement et dans l’esthétique générale, j’ai été ravi de sa beauté frappante, mais aussi simple.

El programa comenzó con Point de départ du danseur principal du New York City Ballet Tiler Peck : une œuvre aux contrastes intrigants et au mouvement harmonieux. Une luminosité a explosé de la scène avec le fond blanc et un arc-en-ciel de couleurs fluo sur l’ensemble des six danseurs. La partition offrait cependant une sensation plus profonde et plus mystérieuse. Les musiciens qui l’interprétaient étaient également sur scène derrière les danseurs, dans l’obscurité de la silhouette.

J’ai été intrigué par la façon dont le mouvement semblait marier cette obscurité et cette lumière : le yin et le yang, l’action et l’immobilité, la création et le repos. Élevé dans son énergie, il avait également une base solide. Continu et nerveux, il avait également une clarté de forme et de timing. La virtuosité à portée de main n’était pas celle d’extensions jusqu’au visage ou de vol incroyablement haut au-dessus de la scène, mais plutôt de continuité et d’aisance à travers les choix chorégraphiques de Peck.

Même dans des moments d’immobilité occasionnels, la résonance du mouvement pulsait dans l’air. Je me suis demandé si Peck aurait pu utiliser davantage cet effet à travers plus de moments d’immobilité – parce que cette résonance était passionnante. De même, le tableau final rayonnait d’une telle résonance, et – pour moi – le rideau est tombé bien trop tôt, pour le faire se dissiper dans l’éther.

En fin de compte, le mouvement a atteint la cohésion et l’équilibre tandis que les effets esthétiques contrastaient. Peut-être que le point de rencontre des opposés est le « point de départ » de Peck, un saut d’un extrême à une autre façon d’être. Peut-être que le mouvement peut être ce point de convergence, de prise de risque et de découverte. Tout cela mis à part la philosophie, à la fois la cohésion du mouvement et la tension dynamique du contraste esthétique ont fait de cette œuvre un plaisir à vivre.

Arrivant quatrième du programme, Shantell Martin’s Cerfs-volants: une œuvre d’un nouveau concept et d’une nouvelle approche, d’un mouvement vibrant et d’un fil d’harmonie naturelle à travers tout cela. Lorsque le rideau s’est levé, la première chose que j’ai vue – la chose qu’il me semblait impossible de ne pas voir en premier – était la toile de fond d’une gigantesque carte en noir et blanc. Comme Martin est également une artiste visuelle acclamée, il est logique qu’elle apporte ce type de cadre esthétique à l’œuvre : audacieuse et bien exécutée.

Ce n’est que plus tard dans le travail que j’ai vu des visages ressemblant à des dessins animés dans les collines et les vallées de cette carte (bien que, d’après la couverture du programme et l’art dans le hall du théâtre, j’avais un point de référence préalable pour ces conceptions). A la Rorschach, une façon différente de voir pourrait apporter un tout nouveau sens. Ce qui m’intriguait aussi, c’était que je ne pouvais pas « dé-voir » ces visages une fois que je pouvais les voir. La sensibilisation, dans l’ensemble, ne peut pas être enlevée.

Le mouvement, et les formations à travers lesquelles il s’est déroulé, incarnaient la coexistence au sein d’une communauté aux multiples facettes. Les danseurs se déplaçaient ensemble en lignes : réceptifs et doux mais aussi forts et clairs. Les flux et reflux des lignes, et plus tard d’autres formations, ressemblaient à la poussée et à la traction continues des vagues contre un rivage.

Un blues discret dans les costumes (par Martin en collaboration avec Lisa Dezmelyk) et l’éclairage (par Brandon Sterling Baker) a renforcé ce sentiment d’harmonie continue. Les extensions et les sauts semblaient illimités, mais plus que tout élément technique, ce qui prévalait était ce sentiment de coexistence dynamique.

Avec le grand ensemble se déplaçant dans et à travers ces éléments esthétiques, et la couche supplémentaire de la partition robuste (Tromba Lontana y Court trajet en machine rapide par John Adams, en accord avec Boosey & Hawkes), il y avait aussi un élément de spectacle en jeu : pas de spectacle « exagéré » ou campy, mais juste la bonne énergie pour ravir.

Malgré ce courant dominant d’harmonie et de facilité agréables, certains moments ont révélé des tensions sous la surface (le genre de tensions qui sont sans doute inévitables lorsque les humains se rassemblent). Comme avec une image Rorschach, il peut y avoir plus qu’il n’y paraît. Les choses peuvent s’infiltrer sous la surface.

La clôture du programme a été Slipstream de Claudia Schreier, chorégraphe en résidence de l’Atlanta Ballet. Le mouvement était aussi agréable que l’esthétique générale était percutante. C’était peut-être en partie le titre, en partie le blues à travers la scène (conception de l’éclairage par Brandon Stirling Baker, conception des costumes par Erica Desautels) – mais juste après le lever du rideau, mon esprit s’est tourné vers des plans d’eau en mouvement.

En effet, l’œuvre est sortie avec un vrai coup de poing, avec un ensemble large et plein de vivacité. Il s’est ensuite transformé en un pas de deux succulent: un changement semblable à un rapide rugissant devenant un ruisseau babillant au fur et à mesure qu’il se déplace le long de son chemin. Les formes, les gestes et les voies de mouvement des cercles continus imitaient les courbes faciles de l’eau en mouvement. La toile de fond fascinante d’Evan Schreier, avec des courbes de diverses teintes bleues qui se croisent et divergent, soutient ce sentiment.

D’autres sections offraient de nouvelles façons aux danseurs de se relier, dans divers groupes de tailles croissantes et décroissantes. Les danseurs ont apporté des voies physiquement organiques à une mise en forme plutôt classique (bien que la chorégraphie n’ait pas été dépourvue de sa propre ingéniosité de forme): une tâche certainement difficile, à laquelle les danseurs ont apporté ténacité et cœur.

La dynamique sociale commençant à se construire a ajouté d’autres couches pour se détacher curieusement. Les membres de l’Ensemble se «glissaient» dans et hors de ces modes de relation, flottant dans le courant de l’être et se déplaçant en connexion. La scène bourdonnait d’énergie, tout comme un espace naturel aux eaux nourricières bourdonnait de vie un jour d’été : des êtres vivants en négociation, en conversation, dans la plénitude de la vie.

La fin – un tableau doucement émouvant, avec une interprète qui suit son propre chemin et les autres qui regardent – a donné le sentiment que la conversation des êtres en négociation dynamique se poursuivrait. Un million d’autres façons de voir l’œuvre étaient bien sûr valables ; il offrait également du mystère, le genre qui peut créer une incertitude productive. La vie, dans les profondeurs du monde naturel ou dans la nature sauvage des gratte-ciel, peut être tout aussi mystérieuse et fructueusement incertaine.

Oui, il peut être incertain de savoir comment nous avancerons d’ici vers un monde meilleur – mais nous pouvons au moins faire des pas en avant. Le Boston Ballet, pour sa part, prend des mesures conscientes vers le changement avec des programmes comme Chorégraphe: donner aux femmes chorégraphes un espace pour prendre des risques, faire entendre leur voix et être vues.

Bravo à la compagnie pour avoir pris des mesures aussi courageuses et significatives, et brava aux chorégraphes qui ont eu le courage de créer et de partager ce qui en a résulté. Bravo aux artistes fondateurs du Boston Ballet qui ont fourni la toile de leur corps nécessaire pour rendre tout cela possible. Avec un tel engagement, une telle vision et des compétences, nous pouvons avancer ensemble vers le changement nécessaire.

Par Kathryn Boland de Informations sur la danse.






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