Danza y arte

‘Celebrating Jorma Elo’ du Boston Ballet

25 février-7 mars.
Par bostonballet.org/bbatyourhome.

La danse n’existe pas dans le vide, de toute évidence; ce qui a précédé est soit une fondation, soit quelque chose dont il faut s’éloigner. La voix d’un chorégraphe évolue avec le temps, mais certains intérêts et inclinations peuvent subsister. Dans le corpus de travail d’un chorégraphe particulier et dans l’évolution de la danse plus largement, il peut être intéressant et instructif de voir des œuvres plus anciennes et de les mettre en conversation avec des œuvres plus récentes.

Cet âge de COVID a de nombreuses entreprises qui le font par praticité et par nécessité, associant de nouvelles œuvres filmées de manière sûre pour cette époque et des œuvres d’archivage dans des programmes virtuels. Célébrer Jorma Elo, dans le cadre du programme «BB @ yourhome» du Boston Ballet, c’est exactement ce que nous avons fait: rendre hommage au chorégraphe résident du Boston Ballet, âgé de 15 ans, à travers des œuvres filmées en toute sécurité en studio et des œuvres plus anciennes jouées sur la grande scène de l’Opéra de Boston. Les deux types d’œuvres ont mis en évidence le caractère unique de la vision, de la voix et du corpus d’œuvres d’Elo au fil des ans.

Partie I, mettant en vedette Plan 2 B, a ouvert avec un danseur bientôt rejoint par un autre. Ils se déplaçaient avec une frénésie, pourtant fondée sur l’assurance. L’esthétique générale était simple: des costumes dans des coupes basiques et des couleurs unies, un éclairage rappelant minuit et un panneau de verre apparemment éclairé par l’arrière avec une teinte jaune-orange (conception de costumes et d’éclairage également par Elo). Les masques signalaient que l’œuvre avait été créée à l’époque du COVID, comme une ouverture au programme l’avait également clarifiée.

Les danseurs ont basculé de façon transparente entre le mouvement qui était gestuel et non conventionnel, et ce qui était plus technique et traditionnel; Ji Young Chae s’est échoué dans une profonde fente, puis a rapidement encerclé ses bras, comme des pales d’hélice, puis s’est doucement levée pour faire un tour de pirouette. Cela s’alignait sur la qualité de la musique instrumentale, avec une audace rapide et fougueuse mais aussi une sophistication classique.

Le couple de danseurs s’est associé, mais de manière à ne pas avoir le visage proche. Lorsqu’ils n’étaient pas dans un ascenseur, ils se sont écartés de l’espace négatif de l’autre d’une manière magnifiquement curviligne. Sur le plan métaphorique, ce manque d’espace physique peut toucher les téléspectateurs de nos jours. Sur le plan pratique, ces choix chorégraphiques étaient un moyen pour les danseurs de partager leur énergie à proximité avec moins de risque de nuire à l’un ou l’autre.

Ces angles de déviation sont restés une partie évidente du mouvement à mesure que de plus en plus de danseurs entraient; le groupe est passé de deux à un (avec un solo rapide et mémorable de John Lam) à six. La façon dont les danseurs exécutaient ces formes curvilignes à partir de formations – comme une diagonale peu profonde dans laquelle les danseurs posaient pendant un moment, bas dans l’espace et les bras tenus sur le côté en forme d’aile – était une autre couche d’intérêt visuel et énergétique ici. Les changements de tempo et de tonalité de la musique, ainsi que la façon dont le mouvement se joue d’eux, étaient également intrigants – parfois changeant en conséquence, progressant parfois en tension avec eux.

L’énergie a culminé vers la fin, les danseurs se déplaçant vivement à travers des formes plus curvilignes et trouvant des interactions rapides les uns avec les autres à travers l’espace. La musique a pris une fin staccato, et les danseurs ont pris une pose finale qui semblait indiquer la continuité, aller de l’avant à partir de là – deux danseurs face au côté dans une position précipitée et derrière eux, des danseurs debout avec leurs pieds joints et regardant droit devant. . Les lumières se sont estompées vers le bas. Je serais curieux de voir quel effet aurait pu provenir du choix différent des danseurs continuant à bouger au fur et à mesure que les lumières s’éteignaient. En fait, la fin était satisfaisante.

Partie II, Suites pour violoncelle de Bach, a également utilisé intelligemment l’espace négatif. Les danseurs (Paulo Arrais et Lia Cirio) seraient juste à court de l’étreinte – les bras tendus en forme de câlin et balayés, les regards sur le côté avec les bras restant étendus sur le côté. Qu’il s’agisse ou non d’un commentaire sur le manque de contact physique à cette époque, c’était un vocabulaire de mouvement convaincant à part entière.

En plus du ton désireux de la musique, cela a créé un sentiment de tristesse et de perte qui a profondément résonné pour moi en tant que spectateur. La façon dont je pouvais voir la respiration accélérée et approfondie d’Arrais et de Cirio à travers leurs masques – aspirant et se développant à un rythme régulier a également été un écho pour moi. J’ai été frappé par la façon dont les danseurs comme eux sont confrontés à d’immenses défis en ce moment, physiques et mentaux, et à la hauteur de ces défis.

Partie III, Histoire d’un souvenir, a parlé de certains de ces mêmes thèmes, de la perte et du désir, d’une manière théâtrale et technologiquement habile. Intercalés entre leurs danses, le plus souvent séparés dans l’espace, se trouvaient des cadres de danseurs riant et souriant. Ils se sont assis contre des côtés différents sur un énorme bloc noir, parlant des lignes poétiques – quelque peu ambiguës mais apparemment les uns des autres, comme ils se sont également assis et ont parlé dans la direction de l’autre (comment on pourrait essayer de parler à quelqu’un de l’autre côté d’un mince mur).

La partie IV comprenait des extraits de diverses œuvres d’Elo au fil des ans. Chaque extrait donnait un avant-goût de certaines œuvres remarquables d’Elo – toutes uniques dans leur esthétique et leur concept, mais avec le fil conducteur d’un style de mouvement caractéristique d’Elo: dynamique, débordant d’énergie et reflétant diverses influences de mouvement (à la fois techniques et piétonnes) reposant sur un style classique. base.

C. à C. (près de Chuck) Reborn avait une ambiance énervée, mystérieusement cauchemardesque. Côté tranchant des ténèbres a apporté quelque chose de sobre et élégant, presque balanchinien dans l’esthétique mais très Elo dans la qualité du mouvement. L’expérience Elo a apporté une élégance mystérieuse. La lumière et l’obscurité étaient en tension de différentes manières tout au long de l’œuvre. La théâtralité et les grandes formations ont construit une énergie qui a soutenu ce sentiment.

Créatures d’Egmont était un peu plus léger et plus brillant, les bleus et les violets soutenant un mouvement un peu moins saccadé que celui de nombreux autres morceaux d’Elo. Pourtant, ce dynamisme caractéristique a rempli l’air. Des costumes aux formations en passant par la présence scénique des danseurs, Cinquième Symphonie de Jean Sibelius avait un look and feel d’un ballet pastoral repensé pour le 21st siècle.

C’était aussi réconfortant de voir un peu d’histoire du Boston Ballet, notamment à travers les performances des anciens membres de la compagnie James Whiteside (maintenant à l’American Ballet Theatre) et Kathleen Breen Combes (maintenant directrice du Festival Ballet Providence). Avant ces extraits, quelques jolies photos étaient également représentées Carmen, présenté l’année dernière (début 2020) – un rappel brutal de la façon dont les choses étaient juste avant COVID, et à quel point elles ont changé.

L’inclusion dans ce programme d’œuvres à la fois plus récentes, sans danger pour COVID et plus anciennes présentées avant COVID se sentait douce-amère; il était réconfortant de voir des œuvres encore en cours de création et de tournage à cette époque, tandis que les œuvres plus anciennes rappelaient ce qui était possible auparavant – ce que nous aurions parfois pu prendre pour acquis. Les deux types d’œuvres, cependant, ont mis en évidence la voix créative unique d’Elo et le talent artistique fondateur du Boston Ballet maintenant et dans le passé. Le monde est en constante évolution, totalement imprévisible, mais la créativité et l’art perdurent.

Por Kathryn Boland de Dance Informa.






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