Dance and art

A bill divided into shared approaches and qualities: Annalee Traylor and Project 44 in 'Take Root'

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Espace vert, Queens, NY.
8 février 2020.

Parfois, l'art juxtaposé à un autre art peut révéler ce qu'est vraiment tout cet art; le contraste peut mettre en évidence et souligner. C'est ce qui m'est venu à l'esprit après avoir visionné le projet de loi divisé d'Annalee Traylor Dance et Project 44. Bien que les deux œuvres soient tombées dans un idiome artistique postmoderne, les approches et les qualités au sein des deux œuvres ont divergé. Pour moi, ces contrastes étaient intrigants et illuminatifs plutôt que discordants. Cela m'a rappelé combien d'avenues valides sur lesquelles il y a à voyager dans l'art de la danse.

Le programme s'est ouvert avec Cours garçon cours, une métaphore étendue audacieuse et claire du mouvement. Gierre J. Godley, directeur du projet 44, a interprété et chorégraphié l'œuvre. Il portait une simple chemise blanche et un short plus sombre, s'inscrivant dans une esthétique de rechange – faible éclairage, une partition atmosphérique mais sobre (par Gil Scott Heron). Une lampe brillait de l'autre côté de la scène. Godley courut sur place, ralentissant parfois mais se déplaçant rapidement à nouveau rapidement. Les paroles de la partition parlaient de phrases comme «leur faire courir leur argent», soulignant la place de la locomotion dans notre langue. J'ai aussi pensé à continuer à courir dans la vie, à m'efforcer sans relâche juste pour survivre dans ce climat culturel. Les paroles indiquaient également des disparités raciales, et je me rappelais à quel point cet état de fonctionnement constant était d’autant plus vrai pour les personnes de couleur et les autres peuples systématiquement opprimés.

Une deuxième section a apporté des mouvements et des gestes plus techniques, à l'intérieur et au-dessus du sol. Godley offrait une stabilité assurée, une qualité sans prétention même lorsqu'il se déplaçait avec maîtrise technique et nuances. Pour finir, il éteignit la lampe et les lumières de la scène s'éteignirent également. Cette action signalait l'autodétermination – peu importe comment il devait continuer à courir, certaines choses fondamentales restaient sous son contrôle. Ce choix créatif pour une fin était également satisfaisant, un emballage soigneusement emballé et attaché.

Après cela est venu Traylor l'éclat. Trois femmes se déplaçaient quelque peu de manière robotique, presque comme une poupée – mais toujours avec une fluidité dans les transitions l'empêchant d'être d'une rigidité désagréable. Le geste se mélangeait avec fluidité à un mouvement plus codifié pour me garder intrigué et satisfait. Je me demandais si c'étaient des femmes qui essayaient de détourner ce qui les maintenait dans cette qualité de poupée – un mystère qui m'a attiré. Deux hommes sont entrés et des opportunités de partenariat inventif se sont ensuivies.

Le mouvement des locomotives a amené les danseurs à travers diverses formations géométriques et des images en mouvement dans l'espace – ce malaise rigide et cette fluidité harmonieuse se mélangeant toujours. Il a dépeint un système de ces personnes ensemble dans la coexistence, en tant qu'hommes et femmes – un microcosme du monde. Un message féministe était certainement là pour discerner, mais il était subtil et nuancé. Ces qualités contrastent avec les messages plus explicites de la pièce précédente, qui utilisaient également des effets atmosphériques et techniques plus que le mouvement et la mise en scène pour parler de sens. Aucune des deux approches n'était fausse ou correcte, définitivement plus ou moins efficace – elles étaient juste différentes.

Traylor’s le blvd est venu juste avant l'entracte et a montré plusieurs des mêmes qualités. Il était plutôt classique en mouvement mais innovant et audacieux dans d'autres éléments esthétiques, l'espace entre ces éléments plus grand que dans l'éclat. Les costumes noirs aux coupes épurées ont apporté une touche moderne et épurée. Un faible éclairage en gris et jaune simples a ajouté à cette esthétique moderne et propre.

Le partenariat créatif, comme dans cette pièce précédente, a attiré mon attention et a parlé des connexions et des divisions entre les déménageurs. Une penchee avait le partenaire d'une danseuse qui tournait rapidement sa jambe allongée en petit cercle. Puis la montée et la flexion ont amené le mouvement dans de nouveaux plans et qualités. Ce partenariat, ainsi que l'entrée et la sortie de différentes formations, a créé une tension mais aussi un magnétisme entre les gens sur scène – comme cela peut être dans la vie. Une telle tension et un tel magnétisme se manifestent sur «le boulevard», des espaces publics dans lesquels se déroulent des histoires privées. La fin a solidifié ce sentiment, comme une image finale mémorable – une étreinte néanmoins avec une agitation évidente.

Après l'entracte Avant de parler de Flavien Esmieu et interprété par Godley, Alex Clauss et Peter Cheng. Le programme a expliqué comment le travail «a été développé en partie grâce à In Good Company, l'Initiative Emerging Choreographer du Projet 44». Divers solos et duos offraient un mouvement suffisamment inventif, théâtral et gestuel pour créer des personnages clairs. Ils portaient des costumes uniques, des vêtements de ville apparemment choisis au moins en partie pour afficher et embrasser l'individualité.

L'éclairage était faible, sombre et mystérieux. La partition originale, ATMO de Giulio Donat et Simone Donati, ont aidé à créer cette atmosphère mystérieuse et ombragée – légèrement atonale, en quête et en couches. Le mouvement mélangeait des vocabulaires contemporains et hip-hop, encore une fois tous construisant une individualité de caractère. Grâce à l'espacement, aux formations et aux qualités, Esmieu a compensé et harmonisé ces trois personnages individuels de manière à parler de se réunir et de se séparer en tant qu'humains ensemble dans un espace.

Comme pour la pièce d'ouverture, esthétiquement et kinesthésiquement, elle était différente des œuvres de Traylor. Les deux étaient forts et convaincants à leur manière. Tout cela a souligné combien il y a de nombreuses routes claires et valides sur lesquelles il faut voyager dans la forêt profonde de l'art de la danse – un terrain à découvrir.

By Kathryn Boland of Dance Informa.






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