Spectacle de la saison 18 d'OnStage Dance Company

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Boston University Dance Theatre, Boston, Massachusetts.
25 janvier 2020.

Concept – il peut distinguer l'art de la danse du mouvement, le rendre pertinent et le rendre véritablement «à la maison» avec les membres du public. La compagnie Onstage Dance Company de Malden, MA, une maison accueillante pour les professionnels occupés qui veulent continuer à danser après leurs journées de danse en studio et au collège, présente toujours des spectacles bien faits et amusants. Pourtant, dans la performance de la saison 18 de la société, la présence de concepts particulièrement poignants et mémorables m’a marqué. Cela m'a rappelé à quel point un concept inventif ou significatif, déménagé avec dévouement et soin, peut être vraiment puissant.

La toute première pièce, Michelle Block's À l'envers, a commencé cette tendance de concepts sophistiqués et agréables. Les danseurs ont commencé en silhouette, éclairés par derrière, en deux lignes. Les lumières sont apparues pour révéler beaucoup plus de couleurs, des robes vertes et violettes avec une palette de couleurs d'éclairage assortie.

Block a appelé à avoir ces deux groupes de couleurs de façon intrigante, comme le partenariat d'un danseur portant une couleur et d'un autre danseur portant l'autre, entrelacement et alternance de danseurs portant les deux couleurs, et les séparer sur les côtés de la scène. C'était un concept sans nom, mais clairement visible dans l'œuvre. Un autre était en fait nommé, dans le titre; les danseurs se sont inversés physiquement et mutuellement en partenariat. Ces deux concepts jouaient de manière convaincante la dualité – vers le haut ou vers le bas, une couleur ou une autre.

Bien que ces binaires soient clairs, ce qui a également piqué mon intérêt, ce sont les espaces et les moments dans lesquels nous avons vu des nuances de gris entre les deux extrémités du spectre – à mi-chemin à l'envers, le corps parallèle au sol, ou lorsque les couleurs étaient mélangées un groupe. Les danseurs ont tout exécuté avec engagement et maîtrise technique. Visuellement et mentalement, il y avait tellement de choses à mâcher. Bref, c'était juste agréable à admirer.

Teresa Fardella's Disparu en mer est venu ensuite. Cela a apporté une sensation différente – plus sombre, plus mystérieuse, plus réfléchissante. Une partition de piano avec des voix alléchantes a commencé à instiller cette atmosphère, et des robes blanc cassé – offrant la sensation d'un état vierge – l'ont construit davantage. L'éclairage était faible mais devenait plus brillant à mesure que la pièce progressait. De même, le mouvement s'est accéléré un peu et est devenu plus léger au fur et à mesure que la pièce progressait. De petits sauts et des sauts plus grands ont ajouté une sensation de vol à cette augmentation d'énergie.

Un autre développement a été les danseurs entrant dans des robes noires – apportant un contraste de deux groupes distincts, comme l'avait fait la pièce de Block. Dans cette pièce, ce choix a renforcé un sentiment de recherche, de recherche d'un contraire, de quelque chose en dehors du connu. À cela s'ajoutait un déplacement fréquent vers d'autres niveaux de l'espace et des endroits dans l'espace (l'espace scénique qui est). De la façon dont les danseurs se rapportaient – tourner en rond, esquiver, se rapprocher mais ensuite s'éloigner assurément – je pensais à cette «perte en mer» comme une séparation de la véritable connexion humaine, perdue dans la mer agitée de la vie.

Il faudrait de la clarté et de l’intention dans le mouvement pour que le mouvement stimule une telle interprétation et que les interprètes soient livrés. Un style ballétique / lyrique a ajouté une grâce et un formalisme qui a adouci le bord de tout cela. Pour finir, les danseurs se sont arrêtés et ont semblé, pour la première fois, vraiment se voir. Ont-ils été retrouvés? Ce serait aux membres du public de décider par eux-mêmes. C'est une chose merveilleuse pour laquelle l'art peut contenir de l'espace.

La clôture de l’acte a été celle de Jennifer Kuhnberg Ange par les ailes. Chaque partie de celui-ci a fait avancer le concept de guider les anges dans nos vies. Pour commencer, la scène était rétro-éclairée pour créer un effet silhouette. Des cordes à linge drapées de vêtements blancs créaient l'imagerie des ailes d'ange, et les danseurs avaient formé un tableau juste en dessous. Des lumières se sont levées pour révéler les danseurs entièrement éclairés, dans des costumes fluides et blancs. L'éclairage a créé des ombres au toucher éthéré. Au fur et à mesure que la pièce progressait, un sentiment d'harmonie est devenu clair – même à travers diverses formations et façons de danser en relation les uns avec les autres (au canon, à l'unisson, dans leur propre mouvement).

Le partenariat, dans une qualité contemporaine adoucie et libérée, a apporté un sentiment de soutien. Les danseurs ont roulé sur la hanche d'un partenaire pour atterrir dans des fentes profondes et ancrées ou pour changer leur élan en virage. Il y avait beaucoup d'activités sur scène, mais tout était très organisé visuellement – pour être accessible, attrayant et agréable. Ces qualités ont continué jusqu'à la fin – les danseurs créant un tableau de niveaux et de formes variés, une forme d'aile éclairée derrière eux. Il y avait certainement quelque chose d'univers et de majestueux dans tout cela, quelque chose qui me faisait me sentir plus apaisé et paisible juste en le ressentant.

Willow Gertz La rose finale a ouvert le deuxième acte. Les images curvilignes reliées aux fleurs, et une palette de couleurs rouge / rose ont rendu tout cela plus clair. Un mouvement fort avec une grâce claire imite la beauté d'une rose qui a néanmoins des épines protectrices; des éléments tels qu'un motif de bras circulaire ont apporté la douceur et des formations fortement géométriques ont apporté la force. Les danseurs se sont connectés en forme de chaîne, serpentant sur la scène, mais se sont ensuite déplacés en diagonale. Ils se tenaient la main dans le dos, marchant dans une qualité liée, jusqu'à ce qu'ils se déplacent dans une qualité fondante. Les danseurs ont transmis ces qualités de manière claire et convaincante. Ce contraste de force et de douceur, emblématique d'une rose – dans le vocabulaire du mouvement, la qualité du mouvement et les formations – a donné vie à un concept fascinant et à une pépite d'art de la danse tout simplement agréable.

Plus tard dans la loi est venu un autre travail de Kuhnberg, Game of Survival. Une atmosphère sauvage et toute la nervosité dangereuse qui y régnait étaient claires et intrigantes dès le début de la pièce. Les danseurs ont formé des lignes puis ont dansé en eux, de grands bâtons ajoutant un élément de mise à la terre ainsi qu'une ancre auditive (ils ont frappé les accessoires sur la scène à l'unisson, attirant l'attention et contribuant à l'atmosphère). La folie était claire dans l'éclairage vert et jaune, les coupes irrégulières de costumes de couleurs similaires et le mouvement robuste.

Les paroles «le jeu de la survie» ont traversé le théâtre et tout s'est réuni pour moi. Différents groupes d'entre eux ont évolué de manière à me demander qui était le chasseur et qui était sa proie – tournant, se lançant, plongeant au-dessus et en dessous. Le vocabulaire du mouvement de Kuhnberg est devenu aussi audacieux et tenace que la nature sauvage qu'elle dépeignait; les danseurs glissaient sur une hanche, roulaient sur les épaules des autres danseurs et sautaient par-dessus les autres danseurs allongés sur la scène.

Mais la fin m'a surtout captivé; les danseurs ont frappé les bâtons à l'unisson parfait et les lumières se sont éteintes – un appel alléchant à se demander ce qui pourrait suivre, au-delà des limites de la pièce dans le monde imaginaire qu'elle avait construit, et simplement un véritable attrait pour les sens. Construire intelligemment un concept à travers une œuvre d'art de la danse peut avoir un tel effet, et Onstage Dance Company y a été loué dans sa performance de la saison 18.

By Kathryn Boland of Dance Informa.