En ligne avec Island Moving Company

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Newport, la première compagnie de ballet contemporain du Rhode Island, Island Moving Company (IMC), a toujours été inventive et ingénieuse; sans théâtre «à domicile» cohérent; la compagnie a joué dans des espaces allant des anciens forts militaires aux bateaux pirates aux anciennes maisons de réunion Quaker. Le monde de la danse étant confronté à la dure nécessité d'annuler ou de reporter les répétitions et les représentations, IMC a décidé de rendre certaines de ses performances passées accessibles à quiconque en ligne gratuitement. Au cours des trois premières semaines d'avril, la société a proposé un ensemble de performances sur son site Web.

Le nom Grande danse dans de grands endroits est quelque peu évident, mais fait également allusion au festival d'été de longue date Great Friends Dance Festival (maintenant le Newport Dance Festival). Le festival avait pour objectif de mettre en relation des artistes et des passionnés de danse du nord-est, du pays et du monde entier – pour une collaboration, un soutien et plus encore. Ce festival en ligne actuel peut accomplir certaines des mêmes fins significatives à l'ère de l'éloignement physique obligatoire. Un week-end du festival en ligne propose des spectacles du Great Friends Festival, tandis que d'autres week-ends proposent des spectacles de Providence, du VI Auditorium de RI et de Pittsburgh, en Pennsylvanie, New Hazlett Theatre.

Miki Ohlsen, directrice artistique de l'IMC Parenté a débuté le premier week-end (vidéographie d'Arvid Tomako), dansé au New Hazlett Theatre de Pittsburgh. Deux projecteurs se sont levés sur deux danseurs différents, Katie Moorhead et Gregory Tyndall. Ils ont commencé à bouger avec un geste, une forme et une ligne clairs – accentuant la tension, puis relâchant avec respiration. Il n'était pas clair s'ils se voyaient ou non. Selon le spectateur, l'ambiguïté aurait pu être séduisante ou frustrante. Alors que les projecteurs s’éteignaient et que toute la scène s’illuminait, le regard des danseurs indiquait alors clairement qu’ils pouvaient se voir. Tyndall a dansé vers Moorhead alors qu'elle restait au sol, faisant des gestes vers et loin d'elle. Il y avait une sensation de conte de fées magique à tout cela.

Moorhead se recroquevilla sur elle-même, comme pour se protéger, puis atteignit son corps tant qu'il se détourna. J'ai pensé aux connexions manquées entre les gens. Ce choix a renforcé un effet plus tôt dans la pièce qui a commencé ce thème des connexions manquées, les uns face aux autres et semblant se manquer les regards les uns les autres lorsqu'ils regardaient en haut ou en bas. Pourtant, elle se leva bientôt et sauta dans ses bras, et ils partagèrent une étreinte tendre. Dans le même temps, une tension dans la musique impliquait que quelque chose menaçait leur connexion. Le vocabulaire du mouvement dans l'œuvre a contribué à créer ce sentiment de tension entre la connexion et quelque chose qui pourrait la menacer.

Comme avec Moorhead allongeant les jambes longues puis les enroulant dans une forme à double attitude (les deux genoux pliés), les formes expansives et libres se sont transformées en quelque chose de plus façonné et gestuel. Les arabesques et les bras se balançant côte à côte parlaient de la nostalgie et de la recherche de ces connexions qu'ils avaient manquées. À un moment donné, leur unisson était parti sur un saut mais juste ensemble au tour suivant, rendant l'unisson quand ils l'ont rendu plus puissant. Un moment mémorable a eu Tyndall dans les bras de Moorhead, comme pour le bercer, une image de bienveillance parentale ou tout simplement très humaine. Les deux danseurs, leur relation platonique ou romantique ou de frères et sœurs ou d'un parent et d'un enfant, incarnaient un lien qui peut durer entre deux personnes même lorsqu'ils manquent de connexion l'un à l'autre dans l'espace littéral – une représentation puissante et prémonitoire en effet. Ils étaient apparentés.

Directeur artistique associé IMC Danielle Genest Transport, la deuxième pièce du premier week-end de performances organisées, était une œuvre qui pouvait également parler subtilement aux humains en communauté – tension et harmonie en opposition pour finalement rétablir l'équilibre. On notait également dans ce travail une tension et une harmonie variables entre les qualités de la musique et celles du mouvement. Le travail a commencé avec des danseurs marchant vers une formation, une touffe et faisant face au public – confrontation. L'éclairage faible, la musique a également commencé sous-estimée – ils sont descendus avec les jambes et se sont légèrement déplacés dans l'espace. La musique (par Olafur Arnalds) construit en volume et en intensité, escaladant le drame et le mystère; le mouvement des danseurs était encore petit, toujours dans les kinésphères des danseurs.

Les danseurs se sont rapidement déplacés vers une ligne diagonale serrée et ont commencé à se débattre sauvagement et de manière expansive. La déconnexion et l'isolement inhérents à ce mouvement contrastent l'unité de la proximité des danseurs dans l'espace. Avec une explosion dans la musique, les danseurs ont à leur tour explosé à travers la scène. Le mouvement était athlétique et expansif, avec un geste parsemé pour créer quelque chose de pas tout à fait définissable mais beau. Il y avait une tension claire entre l'action qui est le chaos organisé et la connexion à portée de main, comme les danseurs lorsque les danseurs ont réarrangé les formations pour se déplacer ensemble par paires. Dans ces paires, il y avait un travail de partenariat frappant – comme des danseurs derrière leurs partenaires qui s'enroulaient autour des bras étendus sur le côté, offrant un sentiment de soutien structuré.

Leurs costumes de tuniques simples ont permis à leur mouvement de prendre le devant de la scène. Des bandes de lumière à travers la scène ont ajouté à la merveille esthétique, les danseurs se déplaçant à travers cette lumière et cette ombre. Des duos et des solos simultanés ont créé un certain nombre d'histoires différentes sur scène – offrant des possibilités narratives infinies, contenant une multitude de contes humains. Dans l'un des quelques changements énergétiques clairs, un autre changement énergétique avait accentué le geste en déplaçant les danseurs dans une section de groupe. C'était comme si une communauté avait été trouvée. Pour terminer le travail, ils sont revenus sur une ligne, se faisant des gestes, puis se sont tournés vers le public pour nous faire signe. Ce choix était comme un appel à nous, à nous demander comment nos propres histoires se dérouleront.

La programmation organisée du deuxième week-end comprenait Ohlsen La tierro gira. Le titre se traduit de l'espagnol par «la terre tourne». En tant que tel, il y avait un sentiment de spirale tout au long du travail – à commencer par le début du travail d'un grand ensemble qui tournait dans et hors de la formation. Une image mémorable ici était des bras d'un cercle intérieur s'étendant sur un cercle extérieur, comme une fleur. Les costumes (de Eileen Stoops) étaient dans un schéma de couleurs bleu foncé et noir, dans des coupes simples et propres qui complétaient le mouvement à portée de main. Avant trop longtemps, la majeure partie de l'ensemble a dégagé la scène et une paire est restée.

Un duo avec un haut niveau de passion s'ensuivit, avec une force mais un pliage à la qualité du mouvement. Une flexibilité était à portée de main. Les formes ont vraiment atteint leurs limites, avec une attitude haute et un backbend profond comme motifs. Les mouvements innovants tels qu'une jambe passant en boucle à travers l'autre jambe pour se terminer en arabesque, tout en étant soutenu par un partenaire, étaient accrocheurs et traduisaient la complexité; J'ai pensé devoir danser une fine ligne entre des résultats imparfaits. Deux autres danseurs sont entrés, permettant de nombreuses possibilités visuelles et énergétiques et ouvrant l'expérience dépeinte au-delà d'un couple. Une image notable ici était les ballerines tournant bas avec les deux jambes pliées dans l'attitude; les paires avaient la physique complexe élaborée de telle sorte que cette séquence de mouvement se déroule de façon transparente.

Une section finale a repris l'ensemble, dansant des variations sur une phrase convaincante, y compris un saut avec les genoux pliés progressant en un tour avec une jambe allongée longue et basse, les lignes et les spirales se mélangeant agréablement mais distinctement intrigantes. Tout au long, la partition (de Kevin Keller) a ajouté davantage de drame au sens de la spirale de l’œuvre et à l’atmosphère émotive des sections ensemble, duo et quatuor. Ce drame au début ne m'a pas saisi, je n'ai pas bien compris les enjeux. Pourtant, vers la fin, j'ai soudainement compris le drame puissant – l'expérience unique de deux à quatre personnes se déroulant pendant que le monde autour d'eux tourne, tous les gens autour d'eux avec leurs propres histoires, les rues remplies de joies et de chagrins qui sont invisibles pour notre oeil nu. D'une manière ou d'une autre, avec un million de choix, deux personnes et deux ensembles de deux personnes se sont réunis parmi des milliards d'autres humains comme eux.

La lumière s'est soudainement éteinte pour terminer la pièce, et quelque chose en moi voulait une fin douce pour permettre au drame de boucler la boucle et de se lier dans un emballage soigné. Pourtant, le fait de découper rapidement a souligné de manière prémonitoire comment de telles histoires se déroulant en dehors de millions d'autres histoires sur cette terre continueront tant que cette terre tournera et que nous y vivrons. Le site Web de l'IMC comprenait cette citation poétique ainsi que des informations sur le programme sur le site: «la terre s'est tournée pour nous rapprocher, elle a tourné sur elle-même et en nous, et finalement nous a unis dans ce rêve…». Une telle métaphore et une histoire significatives sont à notre disposition grâce à l'art. Les compagnies de danse comme IMC font leur part pour s'assurer que même si nous nous éloignons physiquement, nous continuons d'y avoir accès.

By Kathryn Boland of Dance Informa.



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