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Review: Stutzmann dedicates ASO's intense Mozart Requiem to Ukrainian victims

Alors que des orchestres et des compagnies d’opéra du monde entier protestaient contre l’invasion brutale de l’Ukraine par la Russie, il était temps pour l’Orchestre symphonique d’Atlanta d’ajouter sa propre voix. Un encart dans le programme de jeudi imprime les couleurs bleu et jaune du drapeau ukrainien, avec les paroles de l’hymne national du pays assiégé depuis longtemps, « La gloire de l’Ukraine n’a pas péri ».

De sa voix ronronnante et chaleureuse en contralto, la chef d’orchestre Nathalie Stutzmann a parlé au public de cette « guerre d’agression insensée ». Elle a mentionné avoir été profondément émue par la vidéo diffusée sur les réseaux sociaux d’une musicienne en Ukraine qui, écartant les débris de bombes de son piano, a joué de l’instrument une dernière fois avant d’évacuer.

« Nous ne sommes que des musiciens », a déclaré Stutzmann. « Nous n’avons pas d’armes. Mais nous devons faire ce que nous pouvons, et nous offrons ce que nous pouvons donner : notre musique. Le directeur musical désigné de l’ASO a dédié l’exécution du Requiem de Mozart aux victimes en Ukraine, avec « l’espoir que la bonté et l’humanité s’élèvent au-dessus de tout ».

Le public se leva solennellement. Le chœur ASO, fort de près de 200 voix, a chanté l’hymne en ukrainien. Écrit dans les années 1860, interdit pendant la majeure partie du XXe siècle, il n’est revenu qu’après la dissolution de l’Union soviétique. Avec la musique de Mykhailo Verbytsky, l’hymne évoque la musique folklorique slave terreuse et navrée (un vocabulaire qui a également été repris par Moussorgski). C’est une musique de souffrance et de détermination.

La directrice musicale désignée de l’Orchestre symphonique d’Atlanta, Nathalie Stutzmann, met la main à cœur pour saluer une ovation.

Sans surprise, le Requiem de Mozart qui a suivi a conservé toute sa puissance et sa tristesse habituelles, et bien plus encore. La lecture de Stutzmann était exceptionnellement rapide et intense, plus rapide que je n’ai jamais entendue en performance et probablement beaucoup plus rapide que cet orchestre et ce chœur n’ont jamais connu – où la gravité s’exprime généralement par le poids accumulé et où des tempos plus lents suggèrent une exploration plus profonde.

Mais ici, quelque chose de curieux s’est produit : au lieu de diminuer les profondeurs attendues, Stutzmann a opéré selon un ensemble différent de normes de performance. Certains chefs d’orchestre, dans une tentative de dé-romantiser une œuvre, adopteront une approche «historiquement informée», obligeant l’orchestre et le chœur à rendre la musique plus légère, plus rapide, plus lumineuse et plus nette dans l’articulation.

Stutzmann, en tant que contralto de musique ancienne, vient de ce monde. Mais ici, elle a opté pour la grandeur du chœur ASO complet (pas le plus petit chœur de chambre de l’époque classique), et bien qu’elle ait réduit la taille de l’orchestre, il était encore assez robuste pour contrebalancer et s’associer à l’énorme masse de chanteurs. au fond de la scène. À travers tout cela, sa grande conception – peut-être devrions-nous l’appeler l’approche personnelle de Stutzmann – a renforcé le sens de l’œuvre.

Après un mouvement d’ouverture plutôt traditionnel, Requiem aeternamle deuxième mouvement, Kyrie Elison, zippé à toute vitesse, où chaque ligne fuguée qui se chevauchait avait à peine le temps de s’enregistrer. Seigneur, aie pitié, les vagues s’écrasaient, presque toutes en même temps.

the Dies Irae, un bélier de musique pour Judgment Day, était également ultra-rapide, ce qui a tenu les interprètes sur le bord de leur siège. Mais la clarté et la concentration du chœur, préparé selon des normes aussi rigoureuses par Norman Mackenzie, restent une merveille à entendre.

Le quatuor de solistes vocaux d’opéra était placé au milieu de la scène, devant le chœur et derrière l’orchestre. Cette configuration semble et se sent appropriée, où les chanteurs individuels ne sont pas les vedettes du spectacle mais plutôt intégrés dans la tapisserie du Requiem. Malheureusement, cette configuration semble terrible, comme si les chanteurs étaient dans une pièce différente. Toute nuance dans leur voix s’évapore dans l’acoustique confuse de Symphony Hall et sous le bruit sourd du climatiseur.

Pourtant, les quatre chanteurs avaient des voix fortes. Bass Burak Bilgili, qui a chanté un charmant Don Pasquale à l’Opéra d’Atlanta, offert ici le Requiem’s Tuba mirum aux tonalités puissantes. Le ténor Kenneth Tarver avait un ton brillant et acidulé. Les femmes s’en sortent un peu mieux. La soprano Martina Janková et la mezzo Sara Mingardo, deux voix magnifiques, ont chanté leurs parties comme si elles étaient des personnages de La flûte magiquepleine de personnalité et d’attention aux textes.

Les sections d’ouverture de ce Requiem ont été lentes à fusionner – compréhensibles avec un chef d’orchestre inconnu au podium et avec une interprétation souvent extrême. Le chœur s’est joint au Rex tremendae mouvement, où les mots « Rex » puis « salva me » étaient si légers, sur un coussin d’air. Incroyablement belle.

Le concert de l’Orchestre symphonique d’Atlanta sera de nouveau joué le 18 mars à 20 h et le 20 mars à 15 h.

Ils étaient également superbes pour les images du ciel et de l’enfer du Confutatis maledictissoutenu par un magnifique trio de trombones, dirigé par Nathan Zgonc, tous les trois debout pour un effet menaçant.

Il s’agissait du premier concert de l’ASO sur la réglementation post-Covid. Avec la levée des protocoles pandémiques au Symphony Hall, tout le monde pourrait se produire sans masque. Pour le chœur, cela signifiait des vocalisations décomplexées et une clarté de projection. Pour l’orchestre, pas de masques signifiait plus de vêtements noirs à col ouvert, pour plus de confort. Ils sont revenus aux vêtements de cérémonie traditionnels en cravate blanche.

La soirée s’est ouverte sur une scène touchante. Lorsque Stutzmann est arrivée sur scène, la foule lui a offert une chaleureuse ovation debout. Peut-être parce qu’elle est relativement nouvelle dans ce métier de chef d’orchestre, ou parce que c’est vraiment sa personnalité, mais elle a semblé surprise et touchée par le soutien. Contrairement à trop de maestros, qui pourraient être d’excellents chefs d’orchestre mais ne semblent jamais s’identifier à leur public, Stutzmann a mis la main sur son cœur et vous avez cru qu’elle était sincère.

Richard Strauss’ Mort et Transfiguration était la seule autre musique du programme officiel, un poème céleste de grand orchestre sur la peur de la mort et la paix avec sa propre vie, puis s’éclipsant vers la libération spirituelle et la mort heureuse. Les mélodies en cascade, l’hyper agitation et les glorieux solos des bois font depuis longtemps partie des points forts de l’ASO sous Robert Spano et Donald Runnicles. Stutzmann, comme pour tout, apporte sa propre vision à cette musique familière et la fait réentendre par tout le monde.

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Pierre Ruhe était le directeur exécutif fondateur et rédacteur en chef de ArtsATL. Il a été critique et journaliste culturel pour le Poste de Washingtonde Londres Financial Times and the Atlanta Journal-Constitution, et a été directeur de la planification artistique de l’Orchestre symphonique de l’Alabama. Il est directeur des publications de Musique ancienne Amérique.

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