Dance and art

Cullum's notebook: George Floyd, Covid inform Roxane Hollosi's "Breathe" exhibition

De manière complètement différente, deux expositions en cours traitent de grands pans de la culture et des événements contemporains. Chez Roxane Hollosi Respirerà la Gallery 100 d’EYP jusqu’au 7 avril, place les années pandémiques dans un contexte plus large, tandis que Tom Patterson De nouvelles lampes pour les anciennesà la 378 Gallery jusqu’au 26 mars, présente les carrières d’une douzaine d’artistes d’Atlanta dans le contexte de ses mémoires récemment publiés sur la scène d’Atlanta des années 1970 et 1980 et son rôle dans celle-ci.

Respirer est un corpus d’œuvres qui a évolué dans de nouvelles directions parallèlement au cours imprévu que l’histoire a pris depuis 2020. Inspiré à l’origine par les problèmes environnementaux et les événements tumultueux entourant l’exclamation de George Floyd « Je ne peux pas respirer », et déjà imprégné de pensées sur les nombreuses significations symboliques et littérales du «souffle», la série a commencé par de simples collages.

Hillosi se tient devant son travail « Recherche d’une nouvelle façon de respirer ».

Il s’est ensuite étendu dans les médias et le volume pour refléter l’arrivée d’un virus des voies respiratoires en même temps que de nouvelles collisions sociales indiquaient un besoin métaphorique et littéral d’oxygène à l’échelle nationale. Les œuvres réalisées à partir de déchets plastiques déchiquetés ont provoqué des symptômes de mécontentement à l’échelle de la société qui rappelaient les premières préoccupations de Hollosi.

En d’autres termes, la vision globale de Hollosi est devenue aussi vaste que les dimensions de six pieds des peintures, qui visent à rappeler aux spectateurs la distanciation sociale établie au début de la pandémie.

Mais sa vision découle également de ses origines dans la petite ville du Minnesota, dans une région qui était la source de la pierre utilisée dans les calumets cérémoniels amérindiens. En tant que telle, la ville de Pipestone était imprégnée de célébrations publiques des Amérindiens, bien que pas particulièrement locales dans leur objectif.

Cela a suffi pour amener Hollosi à étudier les origines de choses telles que les cônes de jingle sur les robes de cérémonie, des objets fabriqués à partir de matériaux recyclés qui étaient à la fois des symboles rituels et des actes symboliques de résistance à la suppression des cérémonies traditionnelles par le gouvernement des États-Unis.

Cela signifie que les cônes de jingle que Hollosi elle-même a créés pour la pièce murale presque du sol au plafond « À la recherche d’une nouvelle façon de respirer » viennent avec un niveau complexe de symbolisme qui convient à la recrudescence de fragments recyclés qui s’élève au-dessus d’eux. . Il se passe bien plus dans cette œuvre que les étonnantes qualités formelles qui apparaissent au premier coup d’œil, et il en va de même pour les petits collages les plus récents, très différents des œuvres à l’origine de la série.

De nouvelles lampes pour les anciennes est l’aperçu fragmentaire soigneusement organisé par Tom Patterson d’une scène artistique d’Atlanta des années 1970 et du début des années 1980 qui mythifiait déjà sa propre grandeur naissante. Bien que certaines parties de cette petite exposition – limitée par choix aux artistes que Patterson connaissait personnellement – démontrent la triste vérité de ce que Xenia Zed a dit quelques années plus tard en tant que rédactrice en chef de Art papersque les artistes émergents du Sud peuvent passer toute leur carrière à émerger, cela illustre aussi la pérennité des artistes qui émergent.

L’exposition illustre bien, par exemple, l’esthétique toujours forte du travail de Linda Armstrong et Katherine Mitchell, dans le cas de Mitchell avec deux œuvres récentes de 2015 et 2016 qui reflètent une longue évolution artistique.

Le couple d’artistes Elizabeth Lide et Paul Kayhart a réussi à condenser des quasi-rétrospectives de leurs œuvres respectives dans l’espace minimal disponible (dans le cas de Kayhart, en incluant une pièce sonore à l’extérieur qui accueille les visiteurs). Les grands collages numériques d’images de l’histoire de l’art de William Brown sont la dernière itération de décennies d’expérimentation, dont la composante antérieure se reflète dans certaines de ses œuvres vidéo dans la galerie inférieure autrement vacante.

Galerie 378
L’œuvre emblématique de Dan R. Talley de 1977 a été reconfigurée en bannière en 2022.

Cependant, la plupart des œuvres d’art ici documentent un moment défini de l’histoire, même si les artistes continuent de créer de nouvelles œuvres. L’extraordinaire carrière de Billy Howard en tant que photographe n’est échantillonnée que par sa documentation particulièrement évocatrice de la scène de l’art, de la performance et de la musique telle qu’elle a été vécue par les participants. La grande sculpture de Scott Gilliam de l’époque est montrée dans une enquête photographique d’installations extérieures.

Il y a une question dans mon esprit quant à savoir si De nouvelles lampes pour les anciennes s’ajoute à une image claire du temps et de l’art pour ceux qui, contrairement à moi, n’étaient pas là. Mais les œuvres représentent certainement une gamme d’esthétiques localement dominantes de l’époque parmi ce que les gens dans les années 1970 appelaient encore l’avant-garde. La définition ici était suffisamment large pour inclure des portraits aussi doux mais chargés de bords que le travail de Cornel Rubino, représenté ici par la «Charlotte Corday» de 1974 et deux pièces de 2019, «Portrait de Botticelli en tant qu’adolescent» et «Portrait de Giotto à l’adolescence.

L’exposition démontre que les rétrospectives historiques sont attendues depuis longtemps pour deux des artistes décédés de l’époque. La sensibilité magico-mystique teintée de folk de Roger Dorset est représentée par deux dessins remarquables qui seront une révélation pour les spectateurs peu familiers avec une œuvre largement oubliée. (Son sujet, comme le mythe de l’automutilation d’Attis et Cybèle, était outré même pour les années 1970.)

L’esprit conceptuel de Stan Sharshal, honoré dans la période qui a immédiatement suivi sa mort tragique en 1992, a également sombré dans l’oubli au cours des dernières décennies. Une pièce de Sharshal, un modèle de réservoir repeint dans une couleur de créateur discrète, est décrite comme « d’une installation dont personne ne semble se souvenir en détail ou précisément dans le temps, vers 1980 ». Si l’année devinée est exacte, l’installation a été montée peu de temps après que les chars soviétiques sont entrés en Afghanistan lors d’une opération militaire qui s’est finalement terminée par un retrait ignominieux, après une décennie passée à repousser une résistance de guérilla de plus en plus efficace.

Galerie 378
« State of the Arts » de Sharshal, 1982, fait une déclaration forte sur le soutien du gouvernement aux arts – ou son absence.

Une autre de ses œuvres, « State of the Arts », est un minuscule monument constitué d’une minuscule figure en plastique étranglée par une épingle à cheveux encerclant sa tête. Bien que la confluence de l’argent fédéral et municipal, gracieuseté du président Jimmy Carter et du maire Maynard Jackson, ait produit une efflorescence des arts à travers la ville à la fin des années 1970, au moment où cette œuvre a été créée en 1982, la scène avait repris son aspect familier. condition de fonctionner avec presque aucune ressource financière et un peu plus qu’une reconnaissance éphémère et strictement locale.

Dan R. Talley, qui était l’une des forces fondatrices derrière Art papers Les efforts du magazine pour gagner la scène plus qu’une reconnaissance locale, résumaient le sentiment de déconfiture dès 1977 avec son « J’étais un artiste conceptuel, mais dernièrement j’ai fait de si mauvais rêves ». Reformatée en bannière en 2022, l’œuvre semble véritablement iconique.

Le manque de notoriété nationale pour l’art visuel de la ville n’était pas vrai de la scène musicale de l’axe Atlanta-Athènes (quoique principalement d’Athènes). Ce qu’on appelait alors encore l’art populaire régional était en passe de devenir célèbre avant même l’apparition d’Howard Finster dans Johnny Carson. Ce soir show lui a valu une visibilité au-delà des galeries d’Atlanta de Judith Alexander et Rick Berman. Et Tom Patterson était au milieu des deux courants culturels, écrivant finalement deux livres très influents sur Finster et le St. EOM jusque-là peu remarqué.

La phase naissante d’Atlanta de la longue et distinguée carrière de Patterson a maintenant été décrite de manière mémorable dans le premier volume de ses mémoires, Les années Tom Patterson : les aventures culturelles d’un jeune scribe. Patterson lira et dédicacera des exemplaires du livre au 378 le 19 mars, de 16 h à 18 h.

::

Dr. Jerry Cullum's reviews and essays have appeared in Art papers magazine, Raw vision, Art in America, ARTnews, International Journal of African American Art and many other popular and scholarly journals. In 2020, he received the Rabkin Award for outstanding contributions to arts journalism.

You may also like...