Tanz und Kunst

Théâtre de danse sur le sol américain

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L'année dernière, je répétais pour un spectacle – une adaptation de théâtre de danse d'une pièce de Tennessee Williams – dans un studio du centre-ville de New York. Plus tard dans la journée, j'ai reçu un e-mail m'informant que je ne pouvais pas répéter le théâtre dans les studios de danse. J'ai immédiatement réécrit une réponse passionnée expliquant la nature du théâtre de danse. Je suis avant tout un artiste de danse, et le travail que je fais repose sur la danse. De plus, les studios de théâtre ont souvent des sols en béton, de plus petits espaces et sont encombrés de chaises et d'accessoires, ce qui les rend dangereux pour les danseurs. J'ai eu une myriade de réponses: colère, peur, confusion, frustration. Ce studio défend différents styles de performances. Pourquoi la forme d'art dans laquelle je travaille a-t-elle été remise en question? Les choses ont été facilement résolues, mais je me suis demandé pourquoi le théâtre de danse était si mal compris?

Qu'est-ce que le théâtre de danse?

Nicole Colbert Dance / Theatre's 'Lovers and Strangers'. Photo de Per Morten Abrahamsen.
Nicole Colbert Dance / Theatre’s «Lovers and Strangers». Photo de Per Morten Abrahamsen.

Le théâtre de danse est une forme d'art basée sur la danse dans laquelle un monde est créé par des interactions physiques et psychologiques sur scène. Roland Langer (1984) illustre les éléments comme s'appuyant sur «la danse, la parole, le chant, le théâtre conventionnel et l'utilisation d'accessoires, de décors et de costumes dans un seul amalgame. Habituellement, il n'y a pas de complot; au lieu de cela, des situations spécifiques, des peurs et des conflits humains sont présentés. » En conséquence, il est souvent autant conceptuel que dramatique et physique.

Histoire

Les origines du théâtre de danse sont attribuées à Rudolph Laban (1879-1958), Kurt Jooss (1901-1979) et Mary Wigman (1886-1973), qui ont développé une forme expressionniste de danse appelée en allemand Ausdruckstanz. Ils ont été inspirés par le début du 20e mouvement expressionniste allemand du siècle en peinture qui cherchait à mettre l'accent sur les sentiments et les idées intérieurs plutôt que sur les répliques de la réalité. Après la Première Guerre mondiale, les artistes ont vu la vieille façon de faire les choses comme stagnante. En danse, le ballet était considéré comme un genre de la vieille garde qui n'exprimait pas l'individu et ses réactions situationnelles, telles que la peur et le désir, aux événements de la guerre et de ses conséquences.

La disciple de Jooss, Pina Bausch (1940-2009), est considérée comme la doyenne du théâtre de danse. Royd Climenhaga (2018) suggère que Bausch, qui était une jeune chorégraphe dans les années 1960, n'a pas seulement été influencée par son travail avec Jooss et l'expressionnisme allemand, mais aussi par les expériences d'artistes de théâtre qui cherchaient à «créer un monde de la scène, plutôt qu'un monde sur scène »à l'époque.

L'œuvre de Bausch n'a pas d'arc théâtral traditionnel. Au lieu de cela, il est construit comme une série de vignettes et est inspiré par un thème ou un lieu. Sur scène, un monde physique est évoqué à travers des signifiants symboliques tels que l'eau, les fleurs, la saleté et les décombres. Dans ce monde, les artistes parlent, courent, dansent, transpirent, se frappent et s'évanouissent. Les réponses individuelles à l'expérience humaine sont mises en scène avec intensité et le vocabulaire du mouvement est distinct et expressif. Son travail a contribué à inaugurer une sérieuse considération esthétique du genre en Europe.

Théâtre de danse sur le sol américain

Le théâtre de danse n'a pas de tradition historique aux États-Unis et, par conséquent, n'a pas été aussi populaire. Les premiers pionniers de la danse moderne tels que Martha Graham, Sophie Maslow et Anna Sokolow ont créé des danses avec des thèmes socialement conscients et développé un vocabulaire de danse expressif, mais dans les années 1940, on s'est éloigné de l'expressionnisme pour se tourner vers la danse abstraite, caractérisée par l'œuvre. de Merce Cunningham.

Cependant, pendant une brève période, du milieu des années 1980 aux années 1990, une génération de chorégraphes est apparue et pourrait être considérée comme une artiste de théâtre de danse. Ces chorégraphes – Bill T. Jones / Arnie Zane, Doug Varone, Bebe Miller, Ralph Lemon, Sara Pearson et Patrik Widrig, et Tere O'Connor, qui créent toujours du travail aujourd'hui – étaient des danseurs du centre-ville de New York qui exploraient la vie politique et sociale thèmes et création d'œuvres similaires au théâtre de danse européen avec son amalgame de danse et de théâtre, la parole, les vignettes théâtrales et l'utilisation du corps comme lieu d'expression. Ils auraient pu connaître le travail des premiers pionniers de la danse moderne, ainsi que voir ou être au courant du travail expérimental issu du Judson Theatre dans les années 1960, dans lequel les artistes ont fusionné les genres et défié les normes esthétiques de la performance. .

Les années 1980, comme les années 1960, ont également été une période de grands changements sociaux et politiques, et les artistes individuels ont été fortement touchés par la récession économique pendant l'ère Reagan, l'épidémie de sida, la montée du néo-conservatisme et l'insidieuse persistance du racisme. et la misogynie exprimée dans la société de tous les jours. Miller déclare que son travail est «enraciné dans la condition humaine». Cette recherche artistique capte les préoccupations de cette génération de chorégraphes et rappelle les impulsions des premiers fabricants de théâtre de danse allemands et européens.

À la fin des années 1990, la danse changea de piste et l'accent fut mis sur la chorégraphie abstraite et basée sur le mouvement. Le théâtre de danse est devenu une valeur aberrante.

Et maintenant?

Aux États-Unis, il y a un intérêt naissant pour le théâtre de danse. Le critique de danse Siobhan Burke (2017) cite Annie B. Parson, Okwui Okpokwasili et Faye Driscoll en tant qu'artistes actuels du théâtre de danse. David Neumann et Raja Feather Kelly devraient être ajoutés à cette liste. Alors que de plus en plus de créateurs de danse s'intéressent au théâtre de danse, il y a encore quelques difficultés en termes d'identité. Il n'y a même pas d'orthographe unifiée en anglais. La Bibliothèque du Congrès cite Tanztheater (Allemand) comme nom du théâtre de danse européen, mais en anglais, c'est danse / théâtre, théâtre de danse und danse-théâtre. Mis à part la sémantique, les vrais défis qui se posent à la forme sur le sol américain sont dans le domaine des opportunités de formation et de performance.

«Como el musguito en la piedra, ay si, si, si…» de Pina Bausch. Photo de Stephanie Berger.

La formation des danseurs qui souhaitent jouer dans des œuvres de théâtre de danse est essentielle. Dans un concert que j'ai vu par un chorégraphe à venir (présenté comme un théâtre de danse), l'œuvre reposait fortement sur la narration, mais les danseurs n'avaient pas la compétence pour parler de façon audible sur scène. L'expérience a été très frustrante, comme écouter de la musique avec un seul casque d'écoute.

De plus, les conservateurs de petits théâtres qui présentent de la danse peuvent créer un espace intentionnel pour le théâtre de danse lors de la programmation. Ce faisant, ils offriraient aux artistes plus d'occasions de développer des idées et de résoudre des problèmes créatifs (comme parler sur scène). C'est possible que les conservateurs hésitent à présenter le théâtre de danse en raison de la difficulté à définir le genre. De plus, sans orthographe unifiée, les conservateurs ne savent même pas par où commencer. En conséquence, de nombreuses opportunités importantes sont perdues pour les artistes du théâtre de danse.

La philosophie de la scène artistique américaine a toujours été historiquement très expérimentale. Dans le même temps, la société américaine est animée par les labels. Ces deux valeurs ont souvent relégué les mouvements et les formes artistiques à l'écart. Il est peut-être temps d'arrêter de vous soucier de savoir comment l'étiqueter ou le définir. Que ce soit ce qu'il est: un art basé sur la danse qui s'appuie sur un amalgame de formes. Au lieu de cela, examinons les problèmes qui lui donneront une chance de se développer et de grandir sur le sol américain et de devenir quelque chose à part.

Par Nicole Colbert de Dance Informa.






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