Tanz und Kunst

L’audition virtuelle : Obstacle ou opportunité ?

Parlons des auditions virtuelles. Ils ont commencé comme une nécessité hors de la pandémie et ont heureusement servi de moyen de maintenir notre industrie en mouvement tout au long de COVID. Mais alors que l’audition virtuelle consolide sa place dans l’industrie, nous n’avons pas cessé de considérer qu’elles ne sont pas une solution raisonnable à long terme – du moins pas dans leur forme actuelle. Remarquez, la façon dont nous diffusions des émissions avant la pandémie (des files d’attente de 700 personnes à 5 heures du matin dans le centre de Manhattan, par exemple) n’était pas non plus la façon de faire les choses. L’une des grandes ingéniosités de la pandémie a été les soumissions électroniques, et elles méritent leur dû. Mais il faut aussi tenir compte du travail que l’on demande aux danseurs de gérer de leur côté. Voici donc quelques aspects des auditions virtuelles qui doivent être réfléchis.

#1. Coût

Il est moins cher pour les productions d’organiser des auditions virtuelles. Mais le fardeau financier ne s’est pas évaporé ; il vient d’être déplacé vers les artistes interprètes (sans parler des coûts organisationnels, techniques et énergétiques globaux). Les danseurs doivent désormais réserver et payer un espace de studio – aux côtés de tous les autres danseurs de leur ville qui auditionnent pour le même spectacle. Il est difficile de répartir les coûts en partageant l’espace par peur du COVID. Une fois l’espace sécurisé, les danseurs sont leur propre caméraman, technicien d’éclairage, technicien du son et monteur.

#2. Plage de temps

Faire tout cela avec peu de préavis avant la date limite de soumission est difficile. Deux jours, ce n’est pas beaucoup de temps lorsque vous travaillez à la journée, surtout lorsque le casting n’aura que le temps et la capacité de revoir un nombre limité de premières vidéos soumises.

#3. Espacer

Soyons clairs, l’espace studio est une nécessité pour les danseurs. Il est beaucoup plus facile d’être acteur ou chanteur dans le monde virtuel. Vous pouvez trouver un mur vierge n’importe où – mais si les danseurs veulent mettre en avant leur meilleur pied, ils ont besoin d’espace pour se déplacer. Un danseur indépendant de New York remarque : « Si vous vous intéressez à moi, je paierai l’argent pour louer un studio. Mais jusqu’à ce que je sache que je suis sur votre radar, je ne peux tout simplement pas justifier le coût. Ne prétendons pas qu’il est possible de faire son meilleur travail dans le « salon » de son studio. L’espace est un luxe.

#4. Attentes

Demander du matériel de niveau rappel dans les soumissions du premier tour est une attente injuste. Jusqu’à ce qu’ils soient invités « dans la salle », les danseurs ne devraient pas être invités à apprendre une minute ou plus de matériel complexe et rapide, en particulier lorsqu’il est possible qu’ils soient tapés sans un coup d’œil à la danse. ils ont passé des heures à apprendre. Commencez plus petit et gardez le reste pour le deuxième tour.

#5. Le volume

Avec des centaines de vidéos soumises, le casting ne pourra pas toutes les atteindre. Les pauvres gens au casting méritent aussi un système plus efficace ! Les interprètes peuvent savoir combien de fois leur vidéo d’audition a été visionnée et combien de fois elle a été téléchargée. Les danseurs savent quand le casting n’a pas eu le temps ou les ressources pour y arriver, et il est difficile de ne pas avoir l’impression qu’ils ne se sont pas donné la peine.

Cependant, le volume n’est pas un problème propre aux soumissions virtuelles. En 2019, Pearl Studios à New York a dû limiter le nombre de danseurs auditionnant pour la tournée non syndiquée de Haarspray parce que le nombre de personnes dans le bâtiment est devenu une violation du code de prévention des incendies. Dans ce genre de foules, bien sûr, le casting ne pouvait pas voir clairement et considérer calmement chaque artiste. Mais les danseurs avaient au moins l’impression d’être dans la salle, devant le chorégraphe, recevant au moins un semblant de cours et de retour. Vous savez que les choses ont besoin d’être réparées lorsque les danseurs manquent les bons vieux jours d’appel du bétail. Dit notre pigiste anonyme : « Je préfère faire la queue à 5 h 30 du matin, apprendre la combinaison dans une foule et me faire couper quatre heures plus tard. Cela donne au moins l’impression que je « fais la chose » avec ma communauté. Moi à 22 heures dans un studio coûteux avec mon iPhone à court de stockage, je n’ai pas l’impression de «faire la chose». » En direct ou virtuel, il doit y avoir un meilleur moyen de filtrer les soumissions.

#6. Rréglementation

Cela nous amène à une question centrale : à qui incombe la responsabilité de définir et de faire respecter les normes de l’industrie de la danse ? L’équité et l’AGMA sont les seuls organes directeurs que nous avons. Ils s’assurent du respect des attentes de l’industrie en matière de spectacles, de compagnies, de répétitions et de danseurs sous contrat. Mais avant que les danseurs décrochent un contrat de spectacle ou de compagnie et signent sur la ligne, ils sont à la merci de la production. Dans l’état actuel des choses, le processus d’audition reste un ouest sauvage d’appels de bétail de plus en plus encombrés. Si les syndicats étaient ceux qui réglementaient les protocoles d’audition des spectacles et des compagnies sous leur juridiction, cela favoriserait un niveau de protection pour les danseurs (syndiqués ou non) qui sont à la merci de ces protocoles.

#7. Solutions

Alors, comment pouvons-nous améliorer l’expérience d’audition pour tout le monde – danseurs et casting ? Ce n’est pas une tâche facile de donner à chaque danseur l’occasion d’être vu sans submerger l’équipe de casting d’une production.

Une option pourrait être d’utiliser une bobine de danse générale pour les coupes du premier tour. Lorsque les auditions étaient en direct, les rondes de frappe étaient courantes. Un tour de bobine de danse pourrait servir de vérification rapide pour voir si le look, le style et la technique d’un danseur pourraient correspondre au spectacle. Peut-être que les bobines sont limitées à une minute afin que le casting puisse toutes les traverser.

Différents spectacles recherchent des qualités différentes chez leurs danseurs, donc avoir une bobine polyvalente serait impératif dans ce scénario. Et si les danseurs constataient qu’ils n’étaient pas rappelés en fonction de la bobine qu’ils fournissaient, c’est en soi une bonne rétroaction pour la diversifier ou la modifier. Mais tout comme un curriculum vitae, une première série de bobines de danse pourrait aider à restreindre le champ, afin qu’ils puissent demander un travail plus impliqué (comme l’apprentissage d’une chorégraphie intensive) uniquement aux danseurs qu’ils sont prêts à considérer.

Ou peut-être est-ce une solution plus simple, comme limiter le nombre de chorégraphies que les danseurs doivent apprendre lors des soumissions du premier tour. Ou peut-être avons-nous besoin de créneaux horaires en personne divisés par agence, avec un nombre limité de créneaux ouverts disponibles pour les danseurs non signés pour s’inscrire.

Chacune de ces solutions pourrait poser de nouveaux problèmes. Mais l’effort de faire évoluer notre industrie et de mettre en place des systèmes qui fonctionnent pour tout le monde mérite une attention et une adaptation, et c’est quelque chose que nous devons aborder ensemble.

Par Holly LaRoche de Informationen über das Tanzen.






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