Danse et art

Critique: Atlanta Symphony montre le talent de la Géorgie avec une première mondiale

L’Orchestre symphonique d’Atlanta a célébré le talent géorgien jeudi soir, avec deux étoiles montantes aux commandes. Pour les deux musiciens, l’ASO a laissé une empreinte durable et, à des degrés divers, a contribué à façonner leur musique et leur carrière. L’un a apporté ses morceaux de spécialité, le genre de musique qui fait une bonne première impression. L’autre a apporté une première mondiale.

Sur le podium se trouvait Jonathon Heyward. Originaire d’Augusta, il a entendu l’ASO au Symphony Hall quand il était enfant. Formé aux États-Unis et plus tard au Royaume-Uni, il parle aujourd’hui avec un accent anglais. Maintenant basé en Grande-Bretagne et en Allemagne, il fait ses débuts avec des orchestres du monde entier, parmi les chefs d’orchestre les plus demandés de la jeune génération. Avec l’Ouverture n° 3 polyvalente « Léonore » de Beethoven et la Symphonie n° 9 sombrement satirique de Chostakovitch au programme, il jouait de ses atouts abondants.

L’autre géorgien exceptionnel était le bassiste Xavier Dubois Foley, un natif de Marietta maintenant dans la fin de la vingtaine. Son curriculum vitae ressemble à une fusée en ascension verticale : diplômé du programme de développement des talents de l’ASO – conçu pour favoriser la diversité avec une formation et un soutien de haut niveau – il a fréquenté le prestigieux Curtis Institute of Music de Philadelphie et a remporté le concours Sphinx 2014. En 2018, il a reçu ce qui est considéré comme une sorte de prix Nobel de passage à l’âge adulte pour les super-virtuoses, l’Avery Fisher Career Grant. De nombreux anciens lauréats sont désormais des célébrités classiques, du violoniste Joshua Bell et du pianiste Wuja Wang au bassiste Edgar Meyer, qui était l’un des professeurs de Foley. (Malheureusement, la plupart des spectateurs n’étaient probablement pas au courant des relations locales de Heyward et Foley, car il n’y avait aucune mention de la scène ou du programme.)

En tant que compositeur, la réputation de Foley s’épanouit également. L’ASO a commandé sa « Soul Bass pour contrebasse et orchestre », et jeudi nous avons entendu sa première mondiale. Apparemment, l’encre était pratiquement encore humide lorsque les répétitions ont commencé. Le concerto a été inspiré, dit le compositeur, par l’émission télévisée populaire de danse et de musique « Soul Train ». Comme cette soirée dansante télévisée emblématique des années 1970, qui connectait les artistes et la culture noirs à un public beaucoup plus large, «Soul Bass» de Foley vise à introduire «un mélange hybride de gospel afro-américain et de musique R&B. . . infusant une forme d’écriture classique plus traditionnelle avec le goût de l’âme.

Le concerto de 20 minutes est écrit en trois mouvements contrastés. C’est amusant mais pas particulièrement funky. « Prelude » s’ouvre sur un thème audacieux et des rythmes de tango sexy. Penché sur sa basse au centre de la scène, Foley entre avec la partie solo sensuelle. Le tout se déplace. Il est légèrement orchestré, donnant à un instrument de basse pas trop fort beaucoup d’espace sonore pour être entendu. Il y a des effets sympas, comme une section d’appel et de réponse. Le soliste chante cha cha cha; l’orchestre répond par le sien cha cha cha. Lorsque les percussions entrent, c’est trop et elles sont beaucoup trop fortes – le genre de chose qui pourrait être corrigé avant la répétition de samedi ou qui pourrait nécessiter une révision rapide de la partition avant les futures performances.

Le bassiste Xavier Dubois Foley, natif de Marietta et diplômé de la Programme de développement des talents d’ASO, avec le chef invité Jonathon Heyward.

Comme promis, ce premier mouvement est de forme traditionnelle, avec cette ouverture rapide de tango, puis un milieu mélodique lyrique, suivi d’une cadence solo, nous ramenant à une récapitulation de l’ouverture de tango. Tout au long, Foley fait jouer la basse solo au sommet ou près du sommet de sa gamme, ses notes les plus hautes et les plus chantables. Mais conformément à la tradition, la cadence de Foley sonnait presque improvisée, quelques minutes éblouissantes qui montraient l’intelligence du compositeur et toute la gamme de l’instrument – grondant du bas du spectre, zigzaguant à toute vitesse sur la touche pour atterrir sur des notes de tête palpitantes, comme un chanteur d’opéra à l’apogée d’un air. L’expressivité rayonnante et l’extrême virtuosité de Foley, parfaitement accordées, montraient un jeune maître à l’œuvre.

Le deuxième mouvement, marqué «Chorus», commence comme un conte de fées rêveur, avec des sons magiques de harpe et des flûtes et clarinettes haletantes. La basse entre comme dans une prière, lente et contemplative, mais prend bientôt une allure de recherche et d’improvisation – deux termes qui reviennent souvent dans ce concerto. Il y a des moments qui sonnent à l’américaine, aux grands espaces (peut-être un clin d’œil à l’esthétique country-folk de son professeur Edgar Meyer ?). Au moment où les images oniriques font leur retour, l’ambiance s’assombrit mais ne s’assombrit jamais. Des entailles de l’orchestre sont jouées contre une voix soliste émouvante et recherchée, et le mouvement se termine doucement. Des questions ont été posées, aucune n’a reçu de réponse.

Le dernier mouvement, « Fugue », était si accrocheur que j’ai entendu des gens fredonner le thème principal dans le hall à l’entracte. Citait-il quelque chose ?

« Fugue » s’ouvre avec la basse sciant sur de gros accords et des doubles-stops – où deux cordes jouaient à la fois – se déplaçant lourdement à gauche et à droite au pas. L’orchestre entre avec une ambiance bluesy, mais bientôt ces pas se transforment en une marche, rendue évidente lorsque la caisse claire arrive. Tout au long, le soliste glisse et glisse entre les lignes. Une autre cadence virtuose, une construction orchestrale passionnante, et le concerto se termine par une fioriture et un spectacle putain ! de la basse solo. Euphorie du public.

En tant que compositeur, Foley trouve toujours son chemin avec l’orchestration et l’équilibrage des sections instrumentales. Les musiciens de l’orchestre (et en particulier les percussionnistes) semblaient parfois peu clairs dans leurs motivations et où leurs parties s’inscrivaient dans le grand schéma du concerto, ce qui a conduit à quelques hésitations. Pourtant, Foley le compositeur est clairement en route. En tant qu’interprète, il est déjà sensationnel.

La soirée s’est ouverte avec la « Leonore » n° 3, l’une des nombreuses pièces que Beethoven a écrites comme ouverture de son unique opéra, qui a finalement été rebaptisé « Fidelio ».

Dégingandé dans son costume bleu impeccablement taillé, le chef d’orchestre Heyward est fascinant à regarder. Sans bâton, il signalait parfois l’orchestre par des gestes de ballet, balayant de ses mains de longs arcs ou façonnant des phrases en mouvements circulaires, comme un potier au volant. Ailleurs, on aurait dit qu’il tenait des tasses de thé invisibles dans chaque main, les balançant pour garder le rythme. Tout a fonctionné.

Son Beethoven semblait d’abord sensé et prudent, mais il construisait une structure et accumulait de la puissance. Contrairement à la plupart des chefs d’orchestre débutants de l’ASO, il a gardé l’orchestre suffisamment silencieux, pour mieux exploser à mesure que le drame s’intensifie. À quelques endroits, il semblait diriger juste avant le rythme, ce à quoi je ne pense pas que l’ASO (ou la plupart des orchestres américains) soit habitué. Pour Heyward, cela montrait la variété des outils à sa disposition.

La Symphonie n° 9 de Dmriti Chostakovitch, de 1945, est une chose curieuse. Il est relativement court – moins d’une demi-heure – et utilise une partie du phrasé et de l’imagerie musicale des grandes symphonies écrites juste avant et des années après. Le langage codé dans les symphonies matures de Chostakovitch s’adresse à deux publics : Staline et ses laquais, et les dissidents (privés et publics) qui ont souffert sous l’oppression soviétique.

Le concert de l’Atlanta Symphony Orchestra, dirigé par un chef invité Jonathon Heyward, sera de nouveau joué à 20 h samedi.

La Neuvième Symphonie est timide à ce sujet. Étirez-le un peu, attardez-vous à certains endroits et les morceaux légèrement amers deviennent acides. Mais jouez-le franchement, prenez chaque phrase au pied de la lettre, et la symphonie semble mignonne et sarcastique, parfois un peu loufoque. Heyward a principalement adopté cette dernière approche, bien que les courants sombres aient refusé de disparaître complètement.

Dès l’ouverture sarcastique/enjouée, Heyward s’est révélé un interprète sophistiqué de la musique du compositeur soviétique. Il a gardé chaque détail en place, soigné et bien articulé, et les équilibres entre les sections de l’orchestre étaient superbes. Le chef d’orchestre a offert une lecture solide, pas tant avec des idées musicales fraîches ou audacieuses, mais capable de maintenir l’orchestre ensemble et d’amener tout le monde à jouer et à jouer ensemble. Le résultat a été de laisser Chostakovitch défendre son propre cas. Musicalement poli et convaincant, nous pourrions soupçonner que Heyward était probablement autrefois candidat au poste de directeur musical de l’ASO.

Il y a des solos juteux pour bon nombre des principaux acteurs, qui n’ont pas déçu. Les lignes de clarinette de velours de Laura Ardan, pour ouvrir le deuxième mouvement, étaient magnifiquement expressives, pleines d’angoisse et d’incertitude.

Le meilleur de tous aurait pu être le soliloque prolongé du basson d’Andrew Brady, posant des questions existentielles (au sens sartrien) ainsi que des questions « être ou ne pas être » (au sens shakespearien), d’une vie en suspens, paralysée entre la peur et action – reflétant peut-être la propre réponse du compositeur à l’oppression personnelle et artistique soviétique.

Brady, un si grand musicien, a joué les longs solos avec tendresse et sympathie, comme blessé et piégé. Ton coeur s’est ouvert à lui. Avec tout ce qui se passe dans le monde, il était impossible de ne pas relier les cris plaintifs du basson de Brady aux victimes en Ukraine, souffrantes et à l’issue inconnue, menacées quotidiennement par un aspirant Staline.

Mais Heyward a coupé cette humeur dans la finale et l’a dépouillé de toute implication politique potentielle. Il a joué la folie dans ces dernières pages bouclées, ressemblant à de la musique de cirque pour clowns psychotiques.

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Pierre Ruhe était le directeur exécutif fondateur et rédacteur en chef de ArtsATL. Il a été critique et journaliste culturel pour le Poste de Washingtonde Londres Financial Times et le Atlanta Journal-Constitution, et a été directeur de la planification artistique de l’Orchestre symphonique de l’Alabama. Il est directeur des publications de Musique ancienne Amérique.

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