Danse et art

40e anniversaire de Island Moving Company

Théâtre commémoratif des anciens combattants, Providence, RI.
11 mars 2022.

Musique tonitruante et danse émouvante résonnant dans votre chair et vos os : rien de tel. Il peut vous envelopper et vous submerger. C’est du spectacle. Ce mot peut avoir une connotation négative (exagéré, bon marché, sucré) – mais spectacle pouvez être mesurée et sage, soigneusement construite et présentée. C’était le genre d’extravagance réfléchie que Island Moving Company (IMC) a présenté pour ses 40e Gala anniversaire Déménageurs magistraux.

Quarante ans de création et de partage d’art sont certainement quelque chose à célébrer, et un spectacle d’excellence est un excellent moyen de le faire. C’est peut-être aussi ce dont nous avons tous besoin en ce moment : quelque chose de beau, quelque chose de sérieux, quelque chose d’unissant. Nicolo Fonte Où nous nous sommes arrêtés et une réinvention moderne de Carl Orff Carmina Burana (de la directrice artistique de l’IMC, Miki Ohlsen, de la directrice artistique associée de l’IMC, Danielle Genest et du Dr Joshua D. Rhode) ont constitué ce programme de célébration.

Le travail de Fonte (avec la contribution de Tom Mossbrucker à la mise en scène) a projeté le programme comme un canon : dynamique, passionnant, rempli d’une multiplicité de possibilités. En même temps, des fils de mouvements répétés et des manières dont les danseurs se reliaient parcouraient l’œuvre. C’étaient des courants sous-jacents qui gardaient une base de connexion et de compréhension.

Le travail a commencé avec un danseur, puis un par un d’autres se sont joints : une accumulation et une évolution qui ont jeté les bases de ce qui allait suivre. Après que l’ensemble de 10 se soit accumulé, les danseurs sont passés à une section de groupe dynamique. Le mouvement a atteint un tiercé difficile : rapide, détaillé et technique. Impressionnant, les danseurs ont relevé ce défi trifecta avec une incarnation de la facilité et de l’intégration. Ils semblaient même s’y complaire.

L’ensemble dansait aussi avec grandeur mais aussi raffinement alléchant (pas du tout facile à faire). Les changements de face dans l’espace et les voies non conventionnelles à travers le corps faisaient que tout le monde devinait quels choix pourraient venir ensuite, mais je voulais le savoir. La géométrie claire de la forme – lignes, chemins d’arc, parements clairs – a rencontré des moments serpentins pour créer un contraste dynamique et une pleine possibilité. Tout cela a créé un mouvement qui était un régal à vivre.

Dans une autre dualité fascinante, les danseurs ont divergé et convergé : plongeant vers et loin, ensemble et séparément dans l’espace scénique. Ces choix illustraient la danse de la connexion humaine, la façon dont nous nous rencontrons et nous nous manquons. « Où nous nous sommes arrêtés », en effet – où nous nous sommes retrouvés pour la dernière fois et comment nous continuons à chercher pour retrouver cet endroit.

L’amélioration de cet effet était la façon dont les danseurs semblaient presque briller sur un fond beaucoup plus sombre, l’éclairage (de Seah Jonson) brillant sur des costumes blancs nacrés (de Mark Zappone, avec l’aimable autorisation d’Aspen Sante Fe Ballet). J’ai supposé que l’éclairage des ailes aidait à créer cet effet (un peu de réalisme derrière la magie), mais cela me parlait du dynamisme d’une âme – comment nous apportons tous notre propre énergie à n’importe quel environnement dans lequel nous nous déplaçons, lumineux ou sombre .

Après cette section d’ensemble vigoureuse, le travail s’est déplacé vers des solos, des duos et des trios plus petits, plus calmes mais toujours vivants, et de petits groupes (en deçà de l’ensemble complet). Les interprètes ont démontré une véritable compréhension tacite, dans et à travers le corps de l’autre, alors qu’ils exécutaient (ce qui me semblait être) des ascenseurs, des formes et des voies assez difficiles à travers l’espace scénique. Ils ont également illustré une compréhension vitale du «moins c’est plus» dans ces moments plus calmes: se donner à 150% pour le travail, mais aussi le laisser parler pour lui-même et être tout ce qu’il est. Parfois, il n’en faut pas plus.

Une chorégraphie d’une beauté mémorable a rencontré cette commande et cet engagement des interprètes pour laisser transparaître quelque chose de plus profond : cette danse de l’interaction humaine, se rencontrant et se manquant, de multiples façons et avec une myriade de personnes que nous rencontrons dans la vie. De petits chapitres d’interaction, avec ces divers groupements, se sont collés pour raconter une histoire aussi grande.

Pour terminer le travail, une danseuse en dehors du groupe s’est lentement installée dans le sol – d’une manière qui a parlé d’un poids sur elle. J’avais envie de penser à la façon dont à travers toute cette danse de l’interaction humaine, nous ne pouvons vraiment connaître notre expérience. C’est peut-être la partie la plus excitante : entrer et sortir de la connexion et continuer à chercher à se comprendre les uns les autres. Et la danse éblouissante est un excellent moyen d’illustrer cette expérience.

Le deuxième acte apporta Carmina Burana, spectacle encore plus mémorable que le premier acte (et c’est peu dire). Il a réuni de la musique live corsée, un design charmant et l’art de la danse stellaire qu’IMC ne manque pas d’offrir – dans l’ensemble quelque chose pour remuer le cœur et ravir les sens.

Aussi comme le premier acte, le travail est sorti avec un vrai claquer: un grand ensemble incarnant la grandeur et la haute énergie des musiciens sur scène (membres du Rhode Island Civic Chorale and Orchestra). Un petit groupe a suivi ce grand ensemble, mais ils ont gardé cette grandeur et cette énergie élevées. Des groupes encore plus restreints ont suivi – solos, duos, trios, quatuors, etc. – offrant tous ensemble une large palette émotive et qualitative. La musique robuste a rejoint le mouvement pour ricocher tout au long de moi. J’étais immergé, comme seul un spectacle bien ficelé peut immerger.

Ces vignettes de danse se sentaient également alignées avec les petites strophes du Carmina Burana poésie (incluse dans le programme papier) – ou, rêverait-on, comme les pétales d’une rose. Le mouvement lui-même offrait l’adoucissement et l’ingéniosité du vocabulaire classique qu’IMC fait si bien – et dans ce travail, le geste et les manières dont les danseurs se sont liés (au niveau du corps et dans l’espace, à travers des formations) ont apporté un niveau unique de drame et de sentiment profond. . Des mentions honorables aux solos mémorables d’Emily Baker et de Brooke DiFrancesco, dansés d’une manière qui offrait le meilleur de leur art.

Tout au long, les costumes (par Eileen Stoops) et l’éclairage (par John Boomer) étaient dans les rouges profonds et les tons de terre des roses et des jardins de fleurs romantiques précieuses – complétant une vidéo de grandes roses, projetées sur des panneaux de verre loin au-dessus de la scène (derrière les musiciens , concepteur vidéo et programmation de SooA Kim, et conception scénique de Chen-Wei Liao).

Ces conceptions ont créé ensemble un courant sous-jacent de classicisme romantique, le genre inhérent à la composition de Carl Olff de 1935-36 (jouée en direct par les musiciens sur scène de cette performance) et les poèmes de moines médiévaux sur lesquels la composition était basée. Les fleurs m’ont aussi fait penser au printemps : le printemps littéral juste au coin de la rue, mais aussi peut-être (je touche du bois) le printemps après l’hiver de COVID.

En même temps, certains choix étaient étonnamment modernes, voire postmodernes. Des hommes soulevaient des hommes dans certaines sections. Ils avaient une force incroyable, mais ont également démontré une douce réceptivité à la physique instantanée des corps et des voies de mouvement de l’autre. Je me suis réjoui de cette volonté, et certains pourraient même dire du courage, de renverser les conventions des rôles de genre stricts dans la danse de concert.

Le partenariat entièrement masculin m’a également fait penser à la fraternité entre moines, les moines qui ont écrit le Carmina Burana poèmes. Certaines choses peuvent sembler radicales, à cause des coutumes du monde dans lequel nous vivons, mais sont en fait intemporelles.

Les danseurs ont également interagi avec les musiciens à d’autres moments, souvent de manière ludique : soulever l’un des solistes d’opéra, surélever joyeusement le chef d’orchestre Dr. Rohde, interactions tendres avec divers chanteurs et membres de l’orchestre. Lorsqu’elle a présenté l’œuvre au début de l’acte, Ohlsen a expliqué comment elle et ses collaborateurs voulaient créer quelque chose qui a amené cette partition séminale dans les temps modernes. Avec un respect évident du classicisme mais aussi des choix créatifs audacieusement modernes – un mélange qui aussi simplement travaillé tous ensemble – ce critique pense qu’ils y sont parvenus, avec un effet tout à fait émouvant et mémorable.

Il y avait aussi tellement de richesse dans les interactions des interprètes : autant de petits moments pour dire mille mots. Dans un autre sens, tout était tout simplement magnifique – et c’est aussi suffisant. Nous pouvons nous sentir déracinés et sans fondement en ces temps, et réfléchir profondément peut nous aider à ressentir un plus grand sentiment de compréhension. À d’autres moments, nos cœurs fatigués pourraient simplement utiliser la beauté et un sentiment de célébration vibrante. Même dans les moments difficiles, il y a pouvez être des choses à célébrer – comme quarante ans d’une organisation artistique, et toujours aussi forte.

Ce programme offrait tout cela – et n’est pas du genre à être oublié de sitôt. Merci, IMC, d’offrir tout ce à quoi un membre du public donné pourrait aspirer (même s’il ne savait pas qu’il aspirait). Cela compte. À 40 ans de création et de partage !

Par Kathryn Boland de Informations sur la danse.






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